e+ Theatrix! Pick Up

　個性派俳優として、あらゆる舞台や映像でインパクトのある演技を披露してきた池田成志。実は演出家としての顔も持つ彼が、今回取り組むのはここ数年、自らの劇団外の公演でも注目を集めている猫のホテルの千葉雅子による書き下ろし脚本だ。日本統治の幕切れが迫る台湾を舞台にしたこの『博覧會』という作品は、芸人の師匠と弟子を中心にした物語になるという。

　この弟子を演じるのが、どんな作品に出ていても強烈なキャラクターがひときわ目を引く大人計画の人気役者、荒川良々。役者同士として共演経験はあるものの、演出家と役者という関係になるのは今回が初めてという池田と荒川に、話を聞いた。

「いろいろな役者さんを横に並べたときに、そこに良々がいると面白そうだなと思ったんだ」（池田）

――池田さんは、この公演の企画段階から関わられているんですか？

池田　はい。２年半くらい前から。千葉さんとは以前、"月影十番勝負"（2006年上演『SASORIIX　約束』）でも一緒に芝居をやっていまして、「いつかまたやろうね」って言っていたんです。それから何度も頓挫しそうになりながら、ようやくここまでこぎつけました。

――ということは、千葉さんと一緒に芝居をやりたいという思いが、この公演のそもそものきっかけだった。

池田　そうです。千葉さんを男にしたい、というかね。

荒川　えっ、千葉さん、男なんですか？

池田　いやいや（笑）。千葉さんって、書き手として本当に面白いことを書くんだけど、ものすごく遅筆で、なかなかふんぎりがつかない人なんですよ。だから「なんか、やろうよ！　千葉さんはもっともっと面白いはずだよ！」みたいな気持ちがあって。それで今回、一生懸命たきつけてみようかと。まあ、今もたきつけている最中なんですけどね（笑）。

――千葉さんには、こういう物語を書いてほしいと注文されたりしたんですか？

池田　いや、千葉さんが書きたいものを書くべきだと思ったので、特にしていません。でも案の定なかなかアイデアが出てこないので、いくつか候補を出してもらって。その中で台湾を舞台にした戦時中の話というのがあって、面白そうだからそれでいきましょうということになったわけです。

――そして今回、荒川さんをキャスティングした狙いというのは。

池田　いろいろな役者さんを横に並べたときに、そこに良々がいると面白そうだなと思ったから。良々と、（篠井）英介さんや大谷（亮介）さんが並ぶことって、めったにないんじゃないかな。あまり一緒にやったことないでしょ？

荒川　ええ、ないですね。共演しても、あまりからんでいないし。

池田　そうやって「これって、どうなるかわからんわい」と思える組み合わせのほうが、面白そうじゃないですか。

――荒川さんはそのオファーを受けて、どう思われましたか。

荒川　「じゃ、やらせてください！」と二つ返事でした。千葉さんの脚本の舞台は何本か観ているけど出演したことはないし、成志さんの演出した舞台も観たことはあるけど、演出を受けたことはなかったですし。

――今回の、演出のポイントとしては。

池田　あまり、ふざけるのはよそうかなーとは思っていますけどね。みなさん、なんでもできちゃう人たちが多いから。骨太なというか、そんなに軽くならないようにしたいなと。ふだん、軽いのばかりやっているのでね（笑）。

――物語としては、芸人さんの話なんですよね。

池田　そうです。なにをやってもうまくいかない人たちがたまたま、台湾のある地点に集まって、なんとかしようとあがく話にしたいんです。終戦間近、1940年代の台湾を舞台にするつもりなので、社会全体もうまくいっていないはずだし。そうなると、ふざけるにしてもきっと逆に悲壮感のあるふざけになると思うんですよね。だから、あまり軽はずみなノリでやるのではなく、しっかり作っていこうかなと思っています。

「初めての成志さん演出で、見たことのない自分を見せられるといいなと思います」（荒川）

――荒川さんは今回、どういうキャラで、どう演じようと思われていますか？

荒川　どうなんでしょうかね。まだよくわかっていないですけど。芸人の師匠と弟子の話なんですよね。

池田　うん。英介さんが師匠で、良々が弟子。そして、その師匠がこさえるつもりのなかった娘を、弟子のほうが親代わりに育てているという関係があって。この弟子が、師匠になぜか盲目的にずっとついていっているので、彼はどうして師匠から離れないのか、結局は離れるのか、みたいなお話を軸に持っていこうとしているんです。だけど、英介さんが師匠で良々が弟子っていう、その絵づらがもうおかしいよね。全然、合ってなくて。ただこれも今のところの話ですわ、もうしわけないけど、今から大幅変更もあるかもです。

――池田さんとしては、荒川さんにどう演じてほしいと思われていますか？

池田　今の時点では、特にないですね。まだ、どう転ぶかわからないんでね。ただ、良々の場合はいじめている役が多いじゃない？

荒川　はい。

池田　いじめられている役ってあまりなかったと思うんだよね。いじめられてても気づかないというのはあるかもしれないけど。

荒川　ああ、そうですね。

池田　すごく人がいい役もいいんじゃないかなと、僕は思っているんですけどね。そのへんは、これから千葉さんがどう書いてくるか、僕自身も楽しみですよ。

――では最後に、お客様へお誘いの言葉をいただけますか。

池田　僕はもう20年以上芝居をやっていて、英介さんや大谷さんとも長い付き合いなんですけど、仕事を一緒にするのは実は今回が初めてなんです。それに、たとえば（星野）真里ちゃんに英介さんとか大谷さん、良々、（菅原）英二たちをここで紹介するというか、こうやって人と人とを会わせることができるだけでも、いいことができたなと思っていて。きっと、面白い化学反応が起きるはずですよ。今回って、みんなそれぞれバイプレイヤーみたいな人が多いじゃないですか。自ら看板しょってやってるような人は英介さんくらいでしょ。意外と、ありそうでない組み合わせだと思うので、その顔合わせの妙をぜひ確認しに来てもらいたい。それに今回はお値段もお手ごろになっております！（笑）ホント、このメンツにしては出血大サービスですから！

荒川　僕は……ただひたすらがんばります、としか言えないなあ。

池田　もっといいこと言ってよ（笑）。

荒川　いいことですか。まあ、英介さんと大谷さんとの化学反応をですね……。

池田　俺と同じことじゃないかよ（笑）。

荒川　いやいや本当に。僕としては、千葉さんの脚本が初めてなので、これまで見たことのない自分を。

池田　見たことのない荒川良々を出す？　いいねえ！（笑）

荒川　はい。初めての成志さん演出で、それが見せられるのではないかと思います。

池田　言っちゃ悪いけど、良々って不気味じゃないですか。そういうキャラも多いしさ。

荒川　いや、本当は好青年ですよ。

池田　意外にこう見えてイイヤツなんだよね。それも含めて出していこう、と。

荒川　ええ、自分の殻を破って。みなさんに、力を貸していただきながら。僕も貸します。

池田　貸すんだ（笑）。新しい自分を見つけるために。

荒川　はい、絶対。

池田　あとで笑っちゃわない、そんなこと言っちゃって？（笑）

荒川　そうですね、かなり恥ずかしいかも（笑）。まあとにかく、僕は一生懸命やらせていただくだけですよ！

（取材・文：田中里津子）
（写真：渡辺マコト）

公演概要

「博覧會〜世界は二人のために〜」

公演日：2010/4/8(木)〜4/21(水)

会場：東京グローブ座 (東京都)

作：千葉雅子　　　演出：池田成志

出演：荒川良々／星野真里／大谷亮介／菅原永二／千葉雅子／池田成志／篠井英介

ブロードウェイ＋ハリウッド＋アイルランド島が激震！ 驚異のタップダンス・エンターテイメント、シカゴより降臨 「トリニティ・アイリッシュ・ダンス」

公演概要

【公演】2010/7/17（土）14:00/19:00
　　 　　2010/7/18（日）12:30
　 　　　2010/7/19（月・祝）12:30
【場所】BUNKAMURA　オーチャードホール
【演目】ケルティック・サンダー、トレブル･ジグ　他
【芸術監督】マーク・ハワード
【プリンシパル・ダンサー】ギャレット・コールマン

プロフィール

世界選手権最年少で２連覇
プリンシパル・ダンサー：ギャレット・コールマン
Garrett Coleman Principal Dancer

トム・ハンクス、ポール・ニューマン、ケイト・ハドソン
ハリウッド大スターのコーチとしても活躍
芸術監督　マーク・ハワード
Artistic Director　Mark Howard

トリニティ・アイリッシュ・ダンス
Trinity Irish Dance

アイリッシュ・ダンスとは

　全国の読者に感動を与えた実話集『届かなかったラヴレター』。シリーズ累計35万部のこのベストセラーを、歌手・クミコとミュージカルスター・井上芳雄が朗読し、そして歌うハートフルコンサートが2009年に引き続き、再び開催される。前回の好評に応え、今回はさらにパワーアップ！　朗読＆ナビゲーター役として徳光和夫、上柳昌彦という大御所アナウンサーがふたりも参加することになった。

「ナマで朗読をするというのは、実は初めての経験なんです」（徳光）
「いつかクミコさんと何か一緒にしたいと話していたんですよ」（上柳）

――クミコさんと井上さん、おふたりにとっては２回目の『届かなかったラヴレター』になりますが。徳光さんは、この企画に初めて参加することになって、まずどんなことを思われましたか。

徳光　僕はほら、もう“アラシチ”ですから。

上柳　“アラシチ”？（笑）　今、おいくつなんでしたっけ。

徳光　68歳。このトシだとどんな仕事をやってももう仕事慣れしちゃってて、いただく仕事をどっちかというと“こなす”という感じだったんです。だけど、今回のように舞台で。ちゃんと声づくりをするというか、毎日、声に出して読んで準備をしておきたいです。手紙には微妙なニュアンスが書かれていますから、その言葉のニュアンスを音で出せるようにしていかなきゃいかんかな、と。

――上柳さんも同じく、初参加ですね。

上柳　そうです。そもそも、僕はクミコさんの『わが麗しき恋物語』という曲を７年前、勝手に自分の番組で毎日かけていたという、そんなご縁があってね。いつかクミコさんの歌に合わせて、僕が何かを読むのか司会をするのかわからないけど、とにかく何か一緒にしたいですよねって話はしていたんです。それが、小さな炎みたいにチョロチョロ燃え続けていて、今に至るわけなので。だから今回は本当にうれしいですね。

クミコ　だけど徳光さんと上柳さんという最強の、言葉を伝える達人がおふたりもいらっしゃるんですから。きっと、ものすごく助けていただけるんだと思って、心強いですよ。

井上　僕も、こういう試みはずっと続けていきたいなと思っていたんです。だからこうして２回目があってとてもうれしいし、新しい形でおふたりとご一緒できることは、すごく幸せで、すごく楽しみです。

――前回やってみて、感想としてはいかがでしたか。

井上　もう、とにかく稽古が大変だったんですよ。演出が結構しっかりあって、芝居とか舞台に近かったので。

クミコ　そうなんですよね。最初はセリフを覚えるわけじゃないし、ただ手紙を読んで、歌うだけじゃない？って簡単に考えていたら（笑）、それどころではなくて。これってなんなんだろう？っていうくらい、あれほど疲れた舞台もなかったですね。

井上　アハハハ、本当ですよ。

クミコ　なんでこんなに疲れるの？って、ふたりでゼイゼイしてました。それって、手紙に詰まった何十人分の想いを背負ってやるせいなのかな、と思うんです。ひとつひとつ、いろんな人の想いに沿わなきゃならないので、それで自分の体がバラバラになっていくような緊張を強いられたのかもしれません。

井上　僕も、読んでみて初めてわかることがいっぱいあって。手紙を書いたのは一般の方、つまり文章のプロじゃない方じゃないですか。だからどうしてもリズムが難しかったりして、読みにくい部分もあって。でも、だからこそリアルに届くものもあるんですよね。

クミコ　芳雄くんは、よく泣いたよね（笑）。

井上　もう、舞台上でもボロボロ泣きながら。

クミコ　私は最初「え、なんで泣くの？」と思っていたのに、結局は同じような状態になってました。鼻水の処理の仕方を、芳雄くんを見ながら覚えましたよ（笑）。

――だけど、涙といえば徳光さんですよね。

徳光　そうなんですよ。だから、今から困っててね。涙って、こらえていると一度噴き出したときにはもう尾を引いて、止まらなくなるんです。

クミコ　ああ〜。

井上　そうそう！

徳光　これもまた、僕のひとつの課題だな。　

上柳　いや、実話っていうのは、僕もよくラジオで読むんですけども、演者は泣いちゃいかんよって言われるわけですよ。

徳光　うん、本当はそうなんだよね。

上柳　自分の感情は置いておいて、その上でいろんなことを想像するのはお客さんの力なので。だから僕の仕事は、どこまで自分の感情を抑えられるかってことなんですが、これがひとりが泣き始めるとね。

クミコ　そう、そうなの、そうなの！

上柳　女子中高生みたいな連鎖になるんじゃないかと、今、ふと思ってね。これはなんとかしなきゃな。

クミコ　気をつけます。

徳光　一番心配なのは、やっぱり僕ですかね。今朝も、電車でスポーツ紙を読んでいて、これがまたうまいこと書いてあるもんだから。

クミコ　アハハハ、電車の中で泣いちゃうんですか。

徳光　いや、ホントそうなんです。もう、嗚咽ですよ。みっともないけど、止めようと思っても止まらなくなっちゃってね。

クミコ　じゃ、上柳さんを船長と呼ぼう！　みんなが沈みかけたら、よろしくお願いしますね！

井上　最後の砦として頼りにします！（笑）

「おのおのの中で見えてくるものがいっぱいあるコンサートにしたい」（クミコ）
「実人生が全面に出てくる手紙や歌からいろんなことを受け取りたい」（井上）

――朗読を実際にやってみて、難しさは感じられましたか？

井上　いや、本当に難しかったです。僕はふだん役を演じることが多いので。朗読では、演じてその人になって読むのがいいのか、ある程度距離を置いて、聴いている人の想像にまかせて読むようにしたらいいのか、悩んでしまって。まあ、正解というものもはっきりはないんでしょうけど。手紙によっては方言だったり、おじいさんだったり、女の人だったりっていうのもありますし。ふだん自分がやらないような人物の手紙も読ませてもらったので、すごく勉強になりました。だから今回は、徳光さん、上柳さんおふたりが読まれるのを見て、さらに勉強しようかなと。

クミコ　私もこの、言葉を伝える達人おふたりがどういう風に読まれるのかが、本当に楽しみ。私も同じように、勉強するつもりでおります。

上柳　だけど、クミコさんは歌もいいけど、実は朗読もいいんですよ。

クミコ　ええ〜？そんなことないですよ。

上柳　ＭＣはちょっとオバチャンぽいですが。

クミコ　アハハハ！

上柳　このちょっと、ハスキーな声がまたいいんだ。

徳光　隣で声を拝聴していましても、ああこの声でナレーションするのは、いいんじゃないかと僕も思いますね。どっちかっていうと歌は語れっていうほうでしょ。

クミコ　語るように歌うとか、よく言われますけど。それって結構極意かもしれないなって、このごろ思うんですよ。語るように歌う、歌うように語る。まさしく今回はそれですね。

――では最後にお客様へ、それぞれからお誘いのメッセージをいただけますか。

上柳　まずはクミコさんと井上芳雄さんのファンの方にはぜひ、歌をじっくりと聴きに来ていただきたい。そして朗読という表現には日ごろそんなに接する機会がないと思うんですが、これが意外とハマるんですよ！意外と人間っていろんなことを想像しますよ！っていうことを、多くの方に体験してもらいたいですね。

徳光　ああ、確かにそれは非常にいい経験かもしれないね。

クミコ　実は先ほど、演出のほうから「これは目を閉じて聴くコンサートにしたい」というコンセプトを言われまして、それってすごく正しいなと思ったんです。私のお客様でも、目の悪い方がすごく多いんですよ。私の声なんて目を閉じて聴く声でもないだろうと思ったんですが、そんなことないって言ってくださってね。ということは、まさしく今回なんて、もっともっとそういう方に来ていただいたら、喜んでいただけるような気がしていて。目の見える方は目を閉じていただいて、もし目の見えない方はそのままで、おのおのの中で見えてくるものがものすごくいっぱいある、そんなコンサートにしたいですね。

井上　うーん、もう僕は本当にひとりだけ、本当に未熟者なので……。

クミコ　っていうか、ひとりだけすごく若いのよね（笑）。

井上　まあ、しょうがないと思うんですけどね、実際に若いから（笑）。

徳光　ハハハ。

井上　でも今、皆さんのお話を聞いていたら、年だけの問題だけではないと思えてきて。新しい取り組みとして向き合おうとしていらっしゃる皆さんがすごく素敵で、僕なんかもっとそうしないといけないなと改めて思いました。こういうステージってごまかしがきかないというか、実人生がボーンと全面に出てくる手紙や歌ばかりになると思うので。本当に一生懸命になって僕もいろんなことを、歌や手紙から受け取りたいです。前回知ったんですが、人生で最後に人が言うのは「ごめんなさい」と「ありがとう」だと。これは僕にとっては大きな発見だったんです。それを知っているだけで何か心に灯がともるみたいなところがあったので、今回もそういう経験をまたもうひとつしたいな、と思っています。

徳光　僕も本当に今、皆さんがおっしゃられた通りの想いなんですけどね。でも、ちょっと開き直りみたいに聞こえるかもしれないですけど、僕は放送屋なんでね。“放送”という字は“送りっ放し”って書きますから。

クミコ　あ、本当だ！

徳光　送りっ放しで、こちらはナレーションいたしますんで、皆さんは自由にお受け止めください、と。

クミコ　ピッチャーですね！

徳光　うん。たまに暴投になるときもあるかもしれませんが（笑）、皆さんにはぜひともいいキャッチャーになっていただきたいと思っております！

1973年の初演以来、時代を象徴する旬の女優が主演して来たつかこうへいの名作『飛龍伝』。12月9日、都内にてその『飛龍伝』の最新作『飛龍伝 2010ラストプリンセス』の製作発表記者会見が行なわれた。今回のヒロインは黒木メイサ。つか作品でデビューを飾った彼女が６年ぶりにつかこうへいとタッグを組み、全共闘の委員長に祭り上げられる神林美智子役に全力で挑む。会見にはほかに美智子と恋に落ちる機動隊員・山崎一平役の徳重聡、学生運動のカリスマ的リーダー・桂木順一郎役の東幹久、東京公演のみ出演する演歌歌手の大江裕が登壇。人気作にふさわしく大勢の取材陣が詰めかける中、作品にかけるそれぞれの思いを語ってくれた。

製作発表記者会見レポート

　つかとの出会いは中学生の頃という黒木は「６年ぶりのつか作品です。うれしいのと同時に、今までにはない緊張感とプレッシャーがあります。美智子は強い。でも女性として、人間として、強さだけではなく弱さも抱えているはずなので、そこを身体と心を使って表現して行きたいです。稽古が激しいものになるのは明らかだし、体力的にも精神的にも正直疲れますが、それがだんだん気持ちよくなってくるんです（笑）。ここにいるみなさんがあの稽古場でどう戦うのかも楽しみですね」と、年月を経ての恩師との再会と新たなチャレンジに向け、静かなる闘志の炎を燃やして見せた。

　これが自身にとって２度目の舞台出演となる徳重は「学生運動の時代については本などで得た知識しかありませんが、歩道のレンガを剥がして投げつけたとか今では想像出来ない激しさがあるので、背景も勉強しながらしっかり表現したいですね。これもひとつの修行。すべてをつかさんに委ねて頑張って行きたい」と、真摯に抱負を語った。

　映像を中心に活躍、久々の舞台出演となる東は「やりたくてもなかなかできない役者が多い中、こうしてつかさんとご一緒できるのは本当にうれしい。稽古を通じて自分の弱さ、足りなさを感じることも幸せだと思うと今からウズウズと心が昂ります。スポンジのような吸収力でゼロから頑張りたいです」と、大いなる刺激を前に掻き立てられる役者魂をむき出しにした。

　「新人なものでとにかく何でもチャレンジしたいと考えております。舞台のことについては黒木先輩にたくさん教えてもらいたいです。若輩者ですがよろしくお願いいたします」とは、演歌界からの異色の抜擢となった大江。真面目で朴訥としたキャラクターながら舞台上では“狂犬”がキーワードになるとか。その変貌ぶりにも注目したい。

　『飛龍伝』で描かれるのは、“国家を救う”という信念を持って生きていた若者たちの姿。残念ながら当日は風邪による発熱で欠席となったつかだが、会場には「21歳の大人の黒木メイサとまともにぶつかり合えるのが楽しみ」とのコメントも届いた。そしてその思いを受け黒木も「時代の流れを受け、つかさんもホン（台本）を書き換えてくださっていますし、“今やることに意味がある”『飛龍伝』になっているはず。新しい『飛龍伝』を楽しみにしていてください」と応えた。まさにタイトル通り、“2010年の『飛龍伝』”が動き出した。

徳重聡×東幹久　スペシャルインタビュー

――おふたりはこれが初共演ですか？

東　いや、５年くらい前にドラマで共演してますね。結構一緒にいる時間もあったんだけど、彼はねぇ、真面目で不器用で…しかも頑固（笑）。まあ５年も経てばいろんな出会いがあるだろうから、徳重くん自身も引き出しが増えていろいろと変化しているとは思うけど。

徳重　今でも頑固は頑固です（笑）。東さんとはホントに「お久しぶり」という感じで、なんだか新鮮ですね。東さんは何でも器用にこなすし社交的な方っていうイメージだったんですけど、実はそうではなくて意外に照れ屋さんなところがあったりしていて…。

東　俺、人見知りでシャイなんですよ〜。

徳重　そうそう！　僕は色々面倒見て頂いたりしてましたけど、こうしてまたご一緒出来てうれしいです。

東　久しぶりの共演。あれからお互いどんな風に成長しているんだろうって僕も楽しみだよ。

徳重　はい。

――おふたりの恋の相手であり本作のヒロインである黒木さんの印象はいかがでしょう？

東　いろんなお仕事をされてますけど、その経験をひとつひとつしっかり積んで生かされてる方ですよね。もちろんお綺麗だし。それと、実際お会いすると目力がなんとも言えないんですよ！　強さの中に優しさが垣間見えるというか、とてもチャーミングな目で。

徳重　カッコイイタイプの綺麗な方というイメージだったんですけど、台本を読むと可愛らしい仕草や台詞も多いので、僕はそういう黒木さんを目の前で拝見できるのが今から楽しみだし、幸せですね。しっかり恋しようと思います。

――徳重さんと東さん、互いに映像での活動が多いかと思いますが、舞台にはどのような思いをお持ちですか？

徳重　僕は去年初舞台を踏んだんですけど、正直こんな早いタイミングでまた舞台が経験出来るとは思ってませんでした。しかもつかこうへいさんの作品ということで、有り難いなぁという思いと同時に、ほとんど舞台経験がない自分がそこへ入ってくことにかなり不安も感じています。舞台は毎公演毎公演が本番で、ミスもその場で即挽回しなくちゃいけないし、やっぱり怖いですよね。でもそれを怖がってばかりもいられない。やはり一発一発が勝負だから、そのための準備を稽古でちゃんとやっておかなくちゃいけないんだってことは初舞台の時にかなり痛感しました。

東　今年40歳になったんですけど、そこでまた舞台をやる、厳しいところに飛び込んでいけるのはやっぱり出会いなんだなぁって思ってます。ともすれば守りに入ったり腰が重くなってしまいそうなところでつかさんとご一緒できる。実際始まったら何を感じるのか、どうなっちゃうのか…。今はまだ全然想像もつかないんですけど、いいことなのか悪いことなのか、とにかくここで自分が変わるだろうなって思うとわくわくしますね。

――『飛龍伝』は何度も上演されてきている名作ですが、作品自体からはどんな魅力を感じていますか？

東　人間の生々しさ。それは決して負の部分だけじゃなく、プラスの部分もしっかり描かれている。強さと弱さ、美と醜さ…相反するものが同時に存在しているところにすごくひかれます。同時に、つかさん自身が生きて来られた人生のあらゆるものが詰まっているような気もしますし。

徳重　「人間って生きて行くのは大変なんだよ。ぐちゃぐちゃ言っててもしょうがない、なんとか笑って生きて行こうよ」みたいなことを言いたいんじゃないかなぁって思いました。辛くても踏ん張ったら何かいいことあるんじゃない？っていう気持ちというか、そういうところの力強さや生々しさを吐き出す…役者としての僕自身もそんな気持ちで作品に臨んで、そういう生々しいモノを見せられたらいいですね。

東　わかるわかる。

徳重　山崎一平という男の生き方はすごいしんどい生き方だと思います。ただ稽古場ではもう僕なんかがいろいろ細かいところ考えてても仕方ないですから、そこを表現するためにとにかくしっかり台本と向きあって、あとはもうどーんと飛び込む。まな板の上の鯉じゃないけど、つかさんの世界にいかに乗っかっていけるか、だけでしょうし。

東　俺も同じ気持ち。映像は自分の持っているモノで演じていく瞬発力が求められるけど、舞台は“無”というか、俺の考えなんか全くかなわない領域。自分の得意不得意とかも考えずに、つかさんの演出に委ねるのみですよ。とにかくニュートラルな状態で稽古場に入って、何か新しいモノを出す…出さなきゃいけない。意外とくじけないタイプなので、いろいろ言われるのは好きですしね。なんかホントにどうなるかわかんないですけど（笑）、桂木順一郎が持つ熱さを表現するため、くたばりながらやっていきたいですね。

――気持ちはすでに稽古場ですね。それでは改めて本作に寄せる意気込みをお聞かせください。

東　僕にとって久しぶりの舞台。１ヶ月かけて稽古して芝居を創って行くというのは役者として、また人間としてとても貴重な場になると思いますし、真摯に取り組んでいきたい学ぶべき場だと思っています。僕は舞台のライブ感がすごく好きだし、劇場という同じ空間の中でお客さんと同じ空気を感じられる幸せは僕ら役者の元気の源なので、みなさん是非観に来て頂ければうれしいです。

徳重　台本を読んでてもすでにとても面白いパワーのある作品だと感じています。また、僕にとってはダンスを始め新しいチャレンジ尽くしの作品。今までにない徳重聡を観て頂けると思います。もちろんつか作品ファンの方々にも楽しんで頂ける舞台になると思います。ぜひ観にいらしてください！

〈取材・文／横澤由香〉

〈写真／渡辺マコト〉

　川下大洋、後藤ひろひと、山内圭哉、竹下宏太郎、腹筋善之介というコメディのスペシャリスト５人で構成される演劇ユニット、Piper。彼らが約１年半ぶりの新作のモチーフに選んだのは海底だ！　相武紗季、岡田義徳、川田広樹(ガレッジセール)という意外性のある豪華ゲストを迎え、爆笑必至の舞台が今回も繰り広げられるはず！

舞台となるのは、最優秀な海底作業員を選ぶための研究施設！

――今回は、なぜ海底のお話にしようと思われたんですか？

後藤　前回の公演が宇宙がらみの話だったから、今回は海底にしようかと思っただけなんだけどね（笑）。でも、海底って面白そうでしょ。

川下　宇宙は「行きたーい！」ってみんな思うけど、「海底に行きたーい！」っていう子供はまずいないよね。

後藤　確かに。宇宙で死んでもいいって思うけど、海底で死んでもいいって思わないかも。

川下　どっちも生身の人間は生きていけない場所なんだけどね。

腹筋　でも僕「もし何か人生で一個だけ買うなら何？」って聞かれたら、子供の時からずっと「潜水艦」って答えてましたよ。

後藤　ほお〜。乗ったこと、ある？

腹筋　ないな。

山内　俺も、ないっす。

後藤　こーちゃん（竹下）、ないの？

竹下　うん、ないよ？　なんで？

後藤　いや、島に住んでいるからありそうな気がして（笑）。

竹下　見たことならあるよ。それに、島の近所で駆逐艦が大島を標的にした訓練をしたりしているしね。釣りしてると、４隻揃ってきれいに方向転換して、こっちに向かってきたりするんだよ。

後藤　絶対、冗談で「あいつを狙え！」とか言われてそうな気がする（笑）。でもさ、コバさん（腹筋）がほしい潜水艦って、そういう潜水艦じゃないんでしょ。

腹筋　うん。一番安いヤツ。４人乗りの黄色い潜水艦で、アームがあってね。

川下　おぉ、それはいいねえ。そういえば俺も、サンダーバードで一番ほしいのが４号だったなあ〜。

山内　……というわけで、今回は海底です。

――舞台は、潜水艦の中ということになるんですか？

後藤　いえ、違います（笑）。海の中ですら、ないです。最優秀な海底作業員を選ぶための研究施設が舞台になります。実際にJAXA（宇宙航空研究開発機構）でやっていたことなんですけど、公募した中から1人だけ宇宙飛行士を選ぶっていう試験があってね。その最終試験がまさに今回のテーマになっているんです。一部屋、といっても広いスペースに７日間、見ず知らずの人たち同士で共同生活をさせるという試験というか実験みたいなもので。それを30〜40人くらいの人がモニターで24時間監視していて、いろいろな事件を彼らにふっかけていく。そのときにどういう行動をとるかを観察するわけです。

――では、皆さんの役どころは？

後藤　今はまだちゃんと決まってはいないんですけど、たぶん俺は部屋の外にいる人だと思います。実験をする側の人。俺以外のPiperのメンバーは、その部屋の中に入る人になるんじゃないかな。今回のゲスト3人も一緒にそこに閉じ込めて。その部屋でいろんな実験をしていく中で、人間関係がぎくしゃくしていく、というお話です。その実験の中のいくつかは、お客さんにその場で決めてもらおうと思っているんですよ。

――じゃ、芝居の流れが毎回、変わるかもしれない？　すごく実験的な舞台なんですね。

後藤　ええ、そうなんです。だからそこでの俺の立場は、お客さんと部屋の中の人間たちをつなぐ唯一の人になると思います。

メンバーにとって、Piperはホームみたいなものです

――改めて、Piperで舞台に立つことの面白さ、醍醐味はどこに感じられていますか？

山内　ヨソでやったらアカンことがここではできることかな。それがやっぱり一番の醍醐味じゃないかなと思いますね。

川下　逆にヨソでやってることを、やったらアカンって言われてる人もいるけどね。

腹筋　そう。僕の場合、Piperではパワーマイム禁止だから（笑）。

山内　後藤さんが他の演出家と違うのは、稽古場で６割ほどできればいいよっていうところ。残りはお客さんと100％にしようっていうスタンスで稽古しているのでね。それを不安に思うゲストもいらっしゃるかもしれないですけど。それはお客さんの前じゃないとわからないことがあるからで。でも他の稽古場ではそうそう、そういうことはできないですからね。

後藤　コメディの場合は８割まで作って舞台に立っちゃうと、お客さんの笑い声でどうしていいかわからなくなる瞬間が役者にはあったりするんです。だから「俺は100％作ってから出たいんだ」っていうような人は、舞台でコメディをやること自体が難しいのではないかと思う。100％作っていっちゃうと、お客さんの笑い声との間合いがつかめなくなるので変な笑い待ちをしてみたりして、大混乱になってしまう。だけどこのメンバーにとっては、Piperはホームですからね。今更、特に気を遣うこともないし。

竹下　Piperの稽古が始まると「ただいまー！」って感じがする。久しぶりに、遊べる親戚に会ったような、「今回は何して遊ぶの？」って感じ。

山内　根本的な考え方からして違うんですよね。お仕事をしに行こうっていうのと、家に帰ってきたっていうのでは。だから、良い意味でまったく仕事感覚じゃない。

川下　いや、仕事って本当はそうあるべきなんだと思うよ。

山内　まあ、そういう意味では僕らは本当に幸せですよ。

腹筋　うん。僕もいつも、早く稽古始まらへんかなって思う。稽古が終わったら、普通は「ああ終わった―」ってなるのに、Piperの稽古の時はすぐに「早く明日にならないかな」って。そんなこと、他ではあまりないですよ。

後藤　だけどさ、大洋さんだけは何を考えてあれをやってるんだろ？って、わからない時があるよね。

全員　（笑）

後藤　稽古の最終日に、いきなりキャラクターを変えてきたりするしさ。

川下　みんなもチャレンジし続けようや！　千秋楽まで、全員で前に進んで行くべきだって！（笑）

山内　アンタ、いつも後退してるやん！　途中で手を引っ張ってあげる時、あるよね。「ホラ、遅れてるよ！」って。

全員　（笑）

――では最後に、まだPiperを知らないお客さんに向けて、どんな心構えで劇場に行けばいいかアドバイスをいただけますか。

山内　演劇の中ではかなり敷居の低いほうだと思うので、何も気を遣わないで大丈夫ですよ。演劇が初めてという人にも、ここは絶好の機会だと思います。

竹下　ちょっとしたダーツバーで、お酒をいっぱいやるくらいの気持ちでいいと思うな。

腹筋　老若男女の方に来てほしいですね。お年寄りにもぜひ。子供も絶対喜ぶよね。

竹下　毎回、子供の笑い声を聞くたびに「やった！」って思うよ。

後藤　俺は、圧倒的に女性客が多い演劇界の中で男性ファンが多いということがものすごく誇りではあるんだよね。俺らは女の子にモテたいって気持ちでやってるんじゃなく、俺らみたいな男も楽しめるものを作っていこうと思ってるので。

竹下　まぁ、（川下に）中には違う人もいるみたいだけど。

川下　モテたくないのかよ、おまえら！（笑）

全員　（笑）

後藤　いや、だから女性の方はぜひ彼氏、もしくは彼になりそうな予感がする相手を連れてきたらいいと思います。その相手にも、ものすごく楽しい思いをさせた上で、きっとあなたの愛も上手に手に入りますよ！（笑）

（取材・文：田中里津子）

デイモン＆レベッカインタビュー

――デイモンとレベッカは「バーン・ザ・フロア・カンパニー」にいつから参加して、どのくらいの期間所属しているのですか？

レベッカ　1999年の10月にバーン・ザ・フロアに入ったので、今年で２人とも10周年になります。

――色々な国で公演をされてきて、今回は満を持してブロードウェイに来られたのですが、感想は？

デイモン　やはりブロードウェイでショーをできるということは非常に特別なことだと思っています。ブロードウェイに来ることが出来たのは大きな名誉であり、光栄なことだと思っています。

――ブロードウェイ公演の舞台に立たれての感想は？

デイモン　本当に特別な"想い"がありました。ブロードウェイというと、演劇の世界も含めて、パフォーマンスに関しては非常に長くて濃密な歴史があるわけです。今回公演させて頂いているロングエイカー劇場に関してもそうです。
私たちとしては、我々自身がこれまで本当に愛してきたこのダンスショーを、この素晴らしい劇場で出来ることに、感無量の想いでした。

ジェレミー＆サラインタビュー

――2人がバーン・ザ・フロア・カンパニーにいつ入ったのか、また、そのきっかけを教えて下さい。

ジェレミー　入ったのは昨年の１月です。当初は３ヶ月の予定で入ったのですが、リハーサルを始めて２日目に、このカンパニーの素晴らしさに惚れ込みました。カンパニーの素晴らしさもそうですし、ダンサーたちの素晴らしさもそうですし、それから持っているエネルギーの素晴らしさ、それらに惚れ込んでこれからもやっていこうと決めました。

――日本にはブロードウェイで生まれ変わった「バーン・ザ・フロア」が来ることになっています。「是非ともここは見るべきだ!」という見どころやアピールポイントがあれば教えて下さい。

ジェレミー＆サラ　日本の熱烈なファンの皆さんに伝えたいのですが、３月の公演では、皆さんがこれまで経験したことがないようなショーをご覧に入れます。
これまでの中でもベストなものをお見せします。
私たちも今まで以上に汗もかきますし、スピードもどんどん速くなっています。また新しい音楽も入れていますのでそういった意味でも本当に良いショーになっています。
かつてないようなショーになっていますので楽しみにしていてください！

――今まで見たことのない人に一言お願いします。

ジェレミー＆サラ　これまで「バーン・ザ・フロア」「フロアプレイ」をご覧いただけなかった皆さん、ぜひ今回は見逃さないでください。見なければ損をします。このダンスのエネルギーと情熱、それからワクワクするような興奮、こういったものがローラーコースターのようにドンドン押し寄せてきます。そんな素晴らしいショーになっていますのでとにかく見逃さないで見に来てください。
かつてないような素晴らしい、ベストなショーをご覧に入れます。
私たちダンサーだけでなく、お客さんも、手を叩いたり、ニコニコ笑顔になったり、みんなで汗をかきながら、楽しんでいただければと思います。
楽しみにしていて下さい！

地元ニューヨークメディアの劇評

■観客の目をくらませる！スピード感あふれるテンポ。
伝統的なスタイルにポップなバリエーションを加え、精密で洗練されたダンスで魅せるノンストップパフォーマンス
――The New York Times

■カリスマ性を持つダンサー達の洗練されたパフォーマンス！
――New York Daily News

■ハートがドキドキする！素晴らしいダンス、華麗なダンサー
――Time Out New York

■わくわくドキドキさせられる振り付け！世界中から選りすぐった最高のかっこいいボールルームダンサー達が繰り広げる２時間のアドレナリンが出っ放しの興奮。とてつもない才能をもったカンパニーが魅せる圧倒的なダンスショー
――NY１

■熱狂のピークに達したかと思えば、またさらに高みへと興奮が
何度も何度も押し寄せる。素晴らしいダンサー達！
――The Record

■溢れ出るエネルギー！じっと座ってなんかいられない！
――WOR Radio

＞＞芸術監督・振付を担当するジェイソン・ギルキソンのインタビューはこちら

　1年間の充電期間を経て、今年2009年から俳優活動を再開した石丸幹二。1月に上演した『イノック・アーデン』を皮切りに、『ニュー・ブレイン』『サンデー・イン・ザ・パーク・ウィズ・ジョージ』『コースト・オブ・ユートピア』と、それぞれに個性の違う大作に切れ目なく出演が続くという、華やかな再スタートの1年となった。そんな大きな節目となった2009年の締めくくりの作品となるのが『兵士の物語』だ。これは『イノック〜』に続く“言葉と音楽のシリーズ”の第2弾となる。ストラヴィンスキーの名曲にのせ、石丸は“朗読”というスタイルで兵士、ストーリーテラー、悪魔、王女という4役をひとりで演じ分ける。この1年間の多彩な経験で何段階もステップアップを果たした感のある彼に、改めて“朗読”という表現の可能性や魅力を語ってもらった。

“朗読”は、自分の世界観みたいなものがお客さんと共有できる表現方法

――今回この『兵士の物語』という作品をやることになって、まずどんなことを思われましたか。

　もともと僕、学生時代にクラシック音楽を学んでいたんです。このトシになってというか、クラシックからかなり離れてしまった今、ストラヴィンスキー作曲の作品ができるなんて夢のようだなと思いました。しかも、役者、語り部として参加できるというのは嬉しいですね。

――朗読というのは、お芝居でする演技とはまただいぶ違うものだと思うのですが。

　そうですね。でも朗読にも多種多様な形があると思うんです。今回は台本を手に4つの役を演じ分けていく、もしかすると動きもかなり入ってくるかもしれない、……俳優としての朗読になると思います。

――前回の『イノック・アーデン』で語りの舞台を実際にやってみて、感想としてはいかがでしたか。

　朗読という形態をとりながらも、ひとり芝居を演じているような感覚がありました。演出の白井晃さんが、台本の文章を眼で追いながら読むばかりではない状況を創られたんですね。だから、椅子にじっと座っていることが少なく、身体でかなり演じることにもなって、「こんなに動くのか！」って驚きました。

――そうなると、朗読でもなく演劇でもない、新たなジャンルというか。

　自分にとって何か新しい形態のものを、と思っていましたので、とても面白くチャレンジできました。「今までの石丸幹二じゃないものをお届けしたいと思います」と言って再スタートした最初の作品としても良かったんじゃないかと思います。何より、自分の世界観のようなものをお客さんと共有できる貴重な表現方法だと改めて確認できました。だから、朗読は今後も続けていきたいですね。

――朗読だからこそ表現できることって、どういうことだと思われますか？

　耳を傾けてくださる方のイマジネーションの扉を、言葉で叩く、ということでしょうか。語り手の想いと、聴衆の想いとは一致しないかもしれない。味わい方は多種多様であっていいと思うんです。僕は、作家の言葉を聴き手に届ける調理人のような存在だと思っています。

――なるほど！　それほどたくさん調味料は使わない、素材を生かした料理みたいなものですね。シンプルで、でもとても奥深い感じがします。

　今回の舞台も、そういう料理になるといいんですが。そうなったら理想的ですよね（笑）。

とても上質で、相当に聴きごたえも見ごたえもある作品になると思います

――今年はたくさんの華やかな作品に次々と出演されて、大きな節目の年になったのではないかと思います。振り返ってみて、ご自分としてはどんな1年でしたか。

　これまで僕を応援してくださった方たち、さらには、初めて僕を知ってくださった方たちに、「石丸幹二って一体どんな俳優なんだろう？」と思っていただけるような仕事の積み重ねをしたくって、様々なことに臨んでみたのですが、自分としてはとても満足な1年になりました。自身の可能性を、色々な角度から見つめられたことも、大きな収穫だったかと思います。

――見事なほどに、すべて雰囲気の違う舞台でしたね。

　ええ、違いましたねえ（笑）。そして、ちょうど1年を経たタイミングでもう一度、「言葉と音楽のシリーズ」に立ち返ることができるのも良かった。

――今後も続けたいとおっしゃっているということは、節目、節目でこの朗読というスタイルが続いていったら。

　きれいな竹になるかもしれませんね！（笑）

――そして、来年はどんな年にしたいですか。

　こうして今年、多くのことを経験させていただいた結果、さらに未知のものに挑戦できるんじゃないかと思えるようになりました。そういう新たな石丸幹二をいっそう模索していきたい。そのひとつとして、歌手活動を展開していく予定です。来年の春先あたりにオリジナルのCDを出し、6月にはコンサートで東京、名古屋、大阪、福岡を訪れます。歌手として、また違った意味での自分らしさを発信できたらと思っています。

――では最後に、お客様に向けて今回の舞台のおすすめポイントを教えていただけますか。

　『兵士の物語』は、とても上質な作品だと思います。年末年始の一番忙しい時期ですが、少し日常から離れて、劇場に足を運んでいただき、この作品に触れていただけたらなあって思います。ピアニスト、パーカッショニストのお２人との少人数でのセッションです。こんな『兵士の物語』は滅多になく、聴きごたえも見ごたえもある作品になるかと思います。劇場でお待ちいたします！

(取材・文：田中里津子)

(写真：坂野則幸)

【東京公演　アフタートークショー決定！】
12/26(土)と27(日)の16:30公演終了後、アフタートークショーが決定いたしました！

12/26(土)16：30公演終了後　出演：石丸幹二
12/27(日)16：30公演終了後　出演：白井晃　石丸幹二

※各日の該当公演のチケットをお持ちのお客様が対象となります。
公演終了後、約10分ほど休憩をはさみ、30分程度のアフタートークを行います。

　マーロン・ブロンドやアル・パチーノも習得した20世紀演劇界最高の功労者、スタニスラフスキーの演技理論"スタニスラフスキー・システム"に基づく舞台で名高い、国立モスクワ音楽劇場バレエ団。
　2008年に新しく芸術監督に就任した元ボリショイ・バレエのトッププリンシパル、セルゲイ・フィーリンが率い、専属オーケストラも含め総勢130名で来日する。クラシック・バレエの美しさに新しい息吹を加えながら進化を遂げた、舞踊スペクタクルをお見逃しなく！

＞＞チケットの詳細・申込み

観るものすべての心を震わすドラマティック・バレエ

「オープニング・ガラ」Opening Gala
4月13日(火) 19時

ボリショイ・バレエのプリンシパルとして一世を風靡した、セルゲイ・フィーリン (現モスクワ音楽劇場芸術監督)　出演予定！

ブルメイステル版「エスメラルダ」La Esmeralda（全3幕）
4月14日(水) 19時 / 4月15日(木) 14時・19時

音楽：プーニ(グリエール、ワシレンコ改編)　
振付・演出：ブルメイステル（1950年）

奇跡の悲劇大傑作。―美しきエスメラルダをめぐる、サスペンス溢れるストーリー。
原作は、ヴィクトル・ユーゴーの小説「ノートルダム・ド・パリ」。 中世のパリを舞台に、麗しきジプシーの踊り子エスメラルダを取り巻く男たち3人が、愛憎劇を繰り広げる。1950年の初演時からの人気レパートリーが、美術、衣裳を一新して色彩的にも鮮やかに生まれかわり、2009年11月末にモスクワで初披露される。全幕作品としては、世界でも滅多に観られない幻の作品。

あらすじ
15世紀のパリ。美しいジプシーの踊り子エスメラルダにノートルダム大聖堂の聖職者フロロは、一目惚れする。フロロは醜い鐘つき男カジモドを使ってエスメラルダを誘拐させようとするが、カジモドは捕らえられ、エスメラルダは御兵フェビュスに恋心を抱き始める。捕らえられたカジモドは広場でさらし者になるが、ただ一人彼をかばうエスメラルダに、カジモドは恋心を抱くのであった。めくりめく愛欲、嫉妬、そして復讐。エスメラルダを巡る三者の愛憎劇の結末は・・・

ブルメイステル版「白鳥の湖」　Swan Lake （全4幕）
4月17日(土) 12時・17時半 / 4月18日(日) 12時

音楽: チャイコフスキー
振付・演出：ブルメイステル (1953年)

スワンレイクの名バージョン。
―息をつく間もない迫力の展開と幸せの結末。
いくつものバージョンがある「白鳥の湖」だが、始まりから終わりまで、これほど統一感と緊張感のあるバージョンは他にない。とくに傑出しているのは第三幕、舞踏会のシーン。スペイン、ナポリといったさまざまな民族舞踊が繰り広げられる中に、黒鳥が王子をあざむくドラマが巧みに描かれていて、たたみかけるように展開されていく。宮殿をはじめとする舞台セットも見事で、これを観なければスワンレイクは語れないと言わしめる、劇場人気ナンバーワン作品

あらすじ
成人式の最中、王妃から明日の舞踏会で花嫁を選ぶことを命じられた王子ジークフリードは、その夜、森の湖で美しいオデット姫に出会い、恋に落ちる。オデットは、悪魔の呪いによって白鳥にされ、夜の間だけ人間の姿に戻っていたのだ。王子は彼女をすくうために永遠の愛を誓うが、悪魔の策略にかかり舞踏会でオデットそっくりに化けた悪魔の娘オディールに愛を誓ってしまう。過ちに気づいた王子はオデットに許しを乞い、悪魔に立ち向かう。そしてついに二人の愛が呪いを打ち破る。

「国立モスクワ音楽劇場バレエ」について

　赤坂ＲＥＤ／ＴＨＥＡＴＥＲにて上演中の舞台「赤と黒」は、「黒色綺譚カナリア派」を率いる赤澤ムックが脚色・演出を担当。物語を、"サクセスストーリーのＲＰＧゲーム"としてとらえ、主人公ジュリアン・ソレルの中に、現代を生きる若者とも通底する自意識過剰さといった特性を見出して、名作文学の世界を舞台化した。

　ステージを斜めに横切るのは、ファッション・ショーでおなじみの"ランウェイ"。その両サイドにはカラフルなコスチュームが多数吊るされ、物語が進行するにつれ、キャストたちが次々と手にとって着替えてゆくというポップでユニークな趣向だ。いくつもの役を演じわける四名のアンサンブルの役名も、"モデル"となっている。

　また、主人公ジュリアンは、ナポレオンの時代が過ぎ去った後もなお、己の才覚と力だけで社会をのし上がったこの英雄にひそかに憧れを抱いてやまない青年なのだが、今回の舞台では、もう一人のジュリアンとして"英雄ナポレオン"が鏡の中に現れるという二人一役的趣向も凝らされている。

　主人公の美貌の青年ジュリアン・ソレルに扮したのは、三島由紀夫作品「弱法師」（新国立劇場）でも好演を見せた木村了。今回の舞台でも、少年らしいナイーブな心と熱い野心をあわせもつジュリアンとして、求心力のあるパフォーマンスを見せている。キュートであどけない笑顔から、激して思いつめた表情、苦悩、困惑ぶりまで、くるくると変わる多彩な表情が非常に魅力的だ。赤いＴシャツ姿で登場し、出世のたびに次々と違う衣装を身につけてゆく様子は、さながらコスプレのよう。ジュリアンという主人公は、ふてぶてしさと繊細さ、優しさと冷酷さ、愛と憎しみといった、さまざまに異なる要素を兼ね備えた、実に複雑怪奇なところのあるキャラクターなのだが、その表現にも矛盾がない。

　一世を風靡した世界名作文学ともなれば、現代の観客にあわせて舞台化するのはなかなかに難しいところ。今回、それが可能となっているのは、前述したようなポップな趣向が効いているのと、いかにも現代の若者らしさを持ちながらも、現代の世の中ではちょっと遠く感じられないでもない主人公ジュリアンの激しい生きざまを丁寧に見せる木村の演技があってこそだろう。遠い世界の話としてではなく、物語を近しく見守ることができた。基本的にテンポよく展開されてゆくのだが、ジュリアンがかつての恋人レナール夫人を撃って投獄されてからは、いかんせん、ドラマ的にあまり盛り上がる要素がないので、そのあたりの処理でさらなるテンポアップが図られれば、一層舞台の流れがよくなることと思う。

藤本真由（舞台評論家）

毛皮族流軽演劇とは

――まずは、軽演劇作品を再上演することになった経緯を教えてください。

――軽演劇シリーズと江本さんが活動されてきた「劇団、江本純子」では決定的に違う点はありますか？

なぜ「ふれる」なのか

――数ある軽演劇作品の中で、なぜ「ふれる」を選ばれたのですか？

――稽古はいかがですか？

毛皮族のバース、掛布、岡田

――最後に、「ふれる」を再演するにあたって何かメッセージはありますか？

――ありがとうございました。

　ブロードウェイで生まれ、2001年には映画化もされた伝説のロック・ミュージカル『ヘドウィグ・アンド・アングリーインチ』。日本でも過去に何度も上演しており、熱心なファンが多いこの舞台がまたもや帰ってくる！　これが三演目となる山本耕史に、ヘドウィグへの想いを語ってもらった。

「僕は、お客さんも含めてみんながヘドウィグだと思うんです」

――『ヘドウィグ〜』を再々演することが決まって、率直なご感想としてはいかがでしょうか。

この作品は定期的にやるから意味があると思うんですよ。だからまたやれるということは本当にうれしいですし、しめしめというか（笑）、やっぱりな！という思いもありました。でも今回は公演期間が短いので、そういう意味ではお芝居やミュージカルというより、今まで以上によりライブパフォーマンス的なものになりそうな気がします。

――特に今回変わりそうなところとか、逆に変えたくないところはありますか。

　基本的な部分は何も変わらないと思います。でも、たとえば視覚的なこと、衣裳とか照明に関してはまだわからないので。僕としては、衣裳は変えようかなーと思っていますけどね。既に、核みたいなものはできているので。前回までの衣裳もいいんですが、あれは日本版の『ヘドウィグ』をやるにあたって、みんなで気合いを入れて作ったものなんです。でももう、そのスタイルにこだわらなくてもいいようにも思えて。

――多少、冒険した衣裳にしても大丈夫ということですか？

　いや、逆にあれが冒険している状態だったんですよ（笑）。だから、元のものに戻すというか。やっぱり原作があれば、それに忠実なものが一番いいと、僕は思うので。

――じゃ、ヘドウィグ本来のイメージに戻るということ？

　ええ。僕の中ではそうしたいなと思っていますけど。

――もう何度も演じられてきていますが、ヘドウィグを演じるとき、一番意識することはどういうことでしょうか。

　これは言葉では簡単に言えちゃうことなんですが、“ウソをつかない”ってことですね。つまり、お芝居をしないってこと。芝居で怒るとか、演技で泣くとか悲しむとかじゃなくて。もうリアルにステージ上にその人がいて、感じるままそこで生きていないといけない。やっぱり、怒ってるお芝居をしている人と、本当に怒ってる人とでは、見ればわかりますよね。感情の奥にあるものが、ちゃんと動いているかどうか。動いているように見せているのではなくてね。このヘドウィグっていうのは、そこが一番大事なところなんです。

――上演中はずっと、ヘドウィグになりきっていないと成り立たない？

　いや、その“なりきる”っていうのも、ちょっと違う言葉なんですよね（笑）。うーん、なんだろう。いや、そこにいるのはあくまで“僕”なんですけど。僕の感情が動いているんです、ヘドウィグの感情ではなくて。

――ヘドウィグという役、キャラクターではない。

　僕、よく思うんだけど、お客さんも含めてみんながヘドウィグだと思うんですよ。お客さんそれぞれの人生を、舞台の上で鏡に映して見せているような感覚なんです。これが人間の姿なんだなあって思ってやっているので。人間を目の前にして人間の姿を、お芝居では絶対に表現できないので、もうそこに生きるしかないというか。そういう意味で“ウソをつかない”ってことなんですね。だから、今までもお芝居を見せようと思ったことはないです、ヘドウィグの場合は。

――それは、他のお芝居をやる時とは違う感覚なんですか？

　基本は一緒なんですけどね。ヘドウィグの場合は、人間らしさっていう部分がより多いのかな。ストーリーを追うことよりも、その人の魂みたいなものが出せないとダメな作品なんじゃないのかなって思いますね。

「ヘドウィグを演じるのは試練の場。気合いと根性が必要です」

――今回も演出は鈴木勝秀さんですが。山本さんは『ヘドウィグ』以外の作品でもご一緒に舞台を作られています。改めてスズカツさんの演出の魅力とは？

　何も言わないところですね（笑）。何か言われた記憶、演出された記憶がほとんどないんです。それがいいという人と、何か言ってほしいって人がいると思いますが、僕はやりやすいほうかな。みんなで一緒に作れるっていうのが、僕には理想なので。

――役者も演出家も一緒になって、ひとつのものを作っていきたい。

　ええ。だから、これはいい意味でとらえてほしいんだけど、ある意味プランがないんです、スズカツさんって。今起きていることを見て、その場で具現化するタイプというか。それも役者のアイデアを優先するし。自分でピンときたことは「こういうのどうかなー」って。

――さりげなく、提案してくれる。

　そうすると、こちらもちょっとやってみようかなって気にもなるし。それにしても本当に、目の前で行われていることをよく見ている人だなっていつも思いますよ。

――そして『ヘドウィグ』といえば、楽曲の魅力も大きいと思うのですが。山本さんにとって、この音楽に関してはいかがですか？

　全部、どの曲も好きです。ジャンルとしてもグラム・ロックってハードな感じですけど、わりと好きなジャンルなので。でもやっぱり、この楽曲の良さがヘドウィグの特長だと思います。そして特に集約されているのが『The　Origin　Of　Love』の歌詞でしょうね。僕は英語で歌っているから、それを改めて日本語では伝えていないけど。つまり、人はひとりじゃ生きられないってことがテーマになっているんです。

――今回、本番に向けて今一番楽しみにしていることは。

　またヘドウィグの世界に入れるということは、すべてが楽しみです。でもやはり、それなりの気合いと根性が必要ですからね、あの中に飛び込むのは。だから楽しみなだけではないかな。でも過酷な場所に自分を追い込んで、そこで自分を磨くということも大切なことですからね。またしてもそういう試練の場が来るな、という感じです。

――最後に、お客様にお誘いのメッセージをお願いします。

　 東京公演は今回Zepp　Tokyoになるので、また雰囲気がガラッと変わると思います。ずっと観てくださっていた方も、もしかしたら初めての方も、どちらも納得できるようなヘドウィグの世界をまたお届けするつもりなので、ぜひみなさん見逃さずに来てください！

＜衣装：COMME CA MEN＞
＜取材・文：田中里津子＞
＜写真：渡辺マコト＞

慶應のおしゃれな雰囲気に溶け込めない寂しさから旗揚げ

――まず、今回のインタビューが「e+ Theatrix!」に掲載される心境を教えてください。

「きたな！」と。いや違う(笑)。ありがたいです。でも、他の取材を受けている方々と肩を並べたとは全然思ってないので、プレッシャーを感じてます。ゴジゲンは知名度もまだまだなので、この記事を読んでくれた方には、とりあえず興味を持って頂きたいです。観に来てもらえたら最高で、作品で答えたい。ゴジゲンは出会いで今までやってきたので、これがまた新しい出会いを生むきっかけとなれば、と思います。

――ゴジゲンは、旗揚げしてから1年足らずで１公演1000人以上を動員するようになりましたね。来年の4月には吉祥寺シアター公演も決定とのことで、小劇場の劇団としては、順調な経歴だと思います。それなのに、いつも描くテーマは「悲劇」なんですね。最新公演に至っては、「幸せをぶっ壊す」と？

うーん……僕は全然順調だとは思っていないです。というのも、全然一つの場所に留まっていたくなくて。演劇だけじゃなくて、映画もラジオも喫茶店もやりたい。ミーハーですね(笑)。変化し続けること。これ、人生の目標にもなってます。

――どこからその気持ちが来るのでしょうか？ゴジゲンを旗揚げするに至った経緯を教えてください。

元々芝居にそんなに興味はなかったんです。高校生まではずっと漫画家になりたかった。でも、上京して出版社に漫画を持ち込みしたら、「こういうのは芸人さんがやってるよ」と言われたんです。悔しいから、じゃあ芸人目指そうと思って。そのために大学でコントや演技を勉強しようと。第一志望は早稲田大学でした。でも、早稲田全部落ちて、慶應しか受からなくて。いざ入学しても、慶應のおしゃれな雰囲気にとけこめなくて、毎日学校の図書館にある立入禁止の場所に入り、1人でお昼食べてました(笑)。

――その後、「創像工房 in front of.」という演劇サークルに入りますね。

友達欲しいなと思って。そしたら、同じように下を向いてる人たちばかりが集まってる演劇サークルがあったんです。飲み会でもコールなんてしないし、自虐ネタとか下ネタとか下世話なことばっかり話してるけど、絶対人を傷つけようとしない。どこか暖かくて、コントも出来るって言うし、最高だなと思って入りました。そんな気持ちで入ったから、1年ちょっとで演劇自体に飽きてしまった。そんな時に、ヨーロッパ企画の『サマータイムマシン・ブルース2005』を観て、衝撃が走った。こんなに面白いことができるならと、それがきっかけで、僕も芝居を書いてみようと思ったんです。仲間にも「ヨーロッパ企画みたいなことやろう」って言って。

――それが、2006年5月、事実上の第１回公演『かけぬけない球児』ですね。この時はサークル「創像工房 in front of.」としての公演で、ゴジゲンはまだ旗揚げされてませんが。

その後、第2回公演『ロックンロール逃げる』で池袋シアターグリーンの学生芸術祭に参加して、大阪選抜に選んで頂いて。その大阪で第3回公演『エイトビートニート』をやっている頃ですね、劇団を旗揚げしようと思ったのは。4年間、ずっと芝居しかしてなくて、気がついたらサークルを卒業しちゃう。しかも休学中。寂しくなって、慌てて１人で劇場を押さえた。それまで、全ての作品に出演してくれていた同期の目次立樹(めつぎりっき)と第3回公演で制作をしてくれていた後輩の半田桃子をメンバーに誘いました。そうして、今でもサークルの延長で、ズルズルと続けてしまっている感じです(笑)。

カッコ悪い人やダサい人を肯定したくて、コメディ作ってます

――ヨーロッパ企画の第26回公演『あんなに優しかったゴーレム』では、文芸助手を務めていますね。どんな影響を受けましたか？

ヨーロッパ企画の上田さんとは、2007年の池袋シアターグリーンの学生芸術祭をきっかけに知り合いました。とにかくストイックで、笑いだけではなく、その芝居の世界観を大切にしているんです。しかも、上田さんは役者からボランティアスタッフの方まで、色んな意見を聞くんですよ。辛い意見もあるはずなのに、受け止める。一方で、「努力する姿は人に見せちゃいけない。作品で伝えればいい」と言っていて、それがまたカッコいい！完全に憧れて、上田さんと同じノートパソコンとスケッチブックを使ってます。ストーカーみたいだけど、面白くなれるんじゃないかと思って。これ読まれたらやばいです(笑)。上田さんだけじゃなく、ヨーロッパ企画の方々には、お世話になりっぱなしです。でも、先にヨーロッパ企画がいるから、コメディでは太刀打ちできないと思って、より一層コンプレックスを描くようになりました。

――そもそも、何故コメディを作ろうと思うのですか？

コメディにするのは舞台だからです。実際、自主制作で作った映画は、完全な悲劇で、何も笑えないんです。笑いって、お客さんの反応の中で一番分かりやすい。お客さんの笑いによって、役者の演技も変わって、芝居の形までも変わっていく様子が面白い。映画や小説じゃ出来ないことですよね。それに、笑ってしまうっていうことは気持ちが理解できたということだから。僕は、カッコ悪い人やダサい人が好きで、それを肯定したくてコメディをつくっています。稽古でも、笑いについては特に言及しません。

――今までの稽古場で一番インパクトに残っている役者さんは？

最新公演に出演する予定の田中美希恵ちゃんですね。インパクトのある外見なのに、シャイ。でも、シャイゆえの堂々とした演技が面白いんです。ゴジゲンのメンバーの目次もストイックですよ。チェ・ゲバラに憧れている役の時は、ゲバラの映画20本くらい見てた。「チェ・ゲバラ」ってワードは一言しか出てこないのに(笑)。とにかく役目線で、想像以上のことをしてくるんです。だから、演技の上手下手じゃなくて、次の瞬間何をするか分からない人をキャストに選んでいます。演出の言うことは聞かなくていいんです。

――じゃあ、何を演出しているんですか？(笑)

最低限、話が分かるように演出しています。それと、とにかく傷つきたくないんで、人を傷つけるような表現はできるだけ遠まわしに見せます。あとは空間の見栄え。見栄えはこだわります、視覚的情報は何よりも強いと思うんです。だから、舞台はいつもグチャグチャしているし、小道具もやたらと多い。

――過去6回の公演で一番気に入ってるシーンは？

第2回公演の『ロックンロール逃げる』で、主人公たちがパンツ被りながら、女の子のパンツ覗くシーン。あれは芸術ですね(笑)。負け組で、汚くてダサいんだけど、目的を達成するために必死で。いやらしさを超えた、切なさと愛があるシーンなんです。今年5月にやった第6回公演『チェリーボーイ・ゴッドガール』でも「女子なんかムカつく」と言いながら、女の子の匂いが残る座布団をみんなで嗅ぐ。「やっぱり好きなんじゃん！(笑)」と。台詞と行動が逆になっていた方が、気持ちがお客さんに伝わる気がするんですよ。感情が溢れすぎて、バレたら恥ずかしいから、言えない。気持ちを素直に伝えられる人より、素直に伝えられない人の方が、その気持ち自体は勝ってると思うんです。思いたいんです。

テーマは現実逃避。見えないフリをするという思いやり

――今回の公演のストーリーとテーマを教えてください。

簡単に言うと、不幸な人たちが不幸だと悟られないように、幸せなフリをするけど、結局最後はぐちゃぐちゃになってしまう話。テーマは現実逃避。過去の事件のせいで、彼らの関係が変わりそうなんだけど、主人公は変わりたくない。一見幸せそうに見えても、本当は不幸せ。だけど、それを見ないフリをする、という思いやり。そんな、壊れそうでギリギリな世界ですね。まあ壊れるんですけど(笑) 。

――今までの公演と違うところは？

毎回世界観が違うのでなんとも言えませんが、今までは皆で一つの目標に向かっていたけど、今回は自殺・漫才・告白・謝罪…と、皆の行動や動機がそれぞれ違っていて、色んな話が錯綜します。役者もワークショップで色んなところから集めたので、テーマは決まってるけど、どうなるか分からないです。気を抜くと調子に乗ってしまいそうな自分をぶっ殺していきたいですね。ラストも、『ハッピーエンドクラッシャー』と銘打ってハードルも上げていますが、まだ悩んでます。僕の中でやりながら、答えを見つけていきたいです。

――最後に今回のテーマに因んで、人生最大の現実逃避を教えてください。

与那国島に行ったことですね。日本の最西端に。その時は失恋して、体調も悪化しちゃって。もうわかんないですけど、世界変えてやろう、と思って。そのためにひとまず、日本の端に行けば日本のトップになれるんじゃないかと思いました。あれは寂しかったですね。

（取材・文：上野紗代子）

ミュージカル『フロッグとトード 〜がま君とかえる君の春夏秋冬〜』
都電荒川線「フロッグとトード号」貸切車両に乗って劇場へ！
“ぷち旅”付き観劇プラン

都電「フロッグとトード号」に試乗したキャスト
（左から川平慈英、石丸謙二郎、高谷あゆみ、おかやまはじめ、中山昇、宮菜穂子）と演出・鈴木裕美。
※この観劇プラン貸切車両にキャスト等は乗車しません。

＞＞東京・サンシャイン劇場公演の詳細・申込み

＞＞全国公演の詳細・申込み
【開催日程】
8/16（日）、17（月）、20日（木）、21日（金）の４回

【スケジュール】
12:30　都電荒川線・荒川車庫前すぐ「都電おもいで広場」に集合・受付
12:50　「フロッグ＆トード号」乗車（約２０〜２５分の乗車）
13:15　都電荒川線・東池袋四丁目で下車 → 徒歩にて劇場へ（徒歩約10分）
13:30　サンシャイン劇場到着（14:00開演）
※詳細時間については多少の変更となる場合があります。

【対象】
【ぷち旅】チケット（大人１名＋子供１名の２枚１組）をご購入の方

【定員】
各日とも10組20名まで
※座席数の都合上、子供優先でお座りいただき、大人はお立ちでの乗車となります。

【申込方法】
1.【ぷち旅】チケット（大人１名＋子供１名の２枚１組）をご購入ください。

2. 参加確認のため、２日前までにチケットスペースへお電話ください。
　 チケットスペース　TEL.03-3234-9999

★東京・サンシャイン劇場公演では、都電一日乗車券または都電まるごときっぷ持参すると『フロッグとトード』オリジナルエコトートバッグをもれなくプレゼント！

“ぷち旅”プラン ご参加の方には、『フロッグとトード』オリジナルの「エコトートバッグ」を1組につき１個もれなくプレゼント！

名作絵本から飛び出した良質なミュージカル
『フロッグとトード 〜がま君とかえる君の春夏秋冬〜』

世界中で人気のアーノルド・ローベルの名作絵本シリーズ『ふたりはともだち』（1980年から小学校２年生の国語の教科書の題材にもなっている）などを原作にしたミュージカルが、この『フロッグとトード』です。 ブロードウェイでは2003年のトニー賞に3部門ノミネートされている傑作。原作の面白さ、台本の完成度、楽曲の素晴らしさにあいまって、日本版演出・出演陣のチームワークが輝く、これぞ親子で観たい、そして大人にも見応え充分な“良質なミュージカル作品”。


日本では2006年に初演。3回目の上演を迎える今回も、初演と同じく石丸謙二郎、川平慈英、おかやまはじめ、高谷あゆみ、中山昇、宮菜穂子が出演。演出も初演からの鈴木裕美が務めています。 物語は、かえる君のフロッグ（石丸謙二郎）と、がま君のトード（川平慈英）が、冬眠から目覚めて、また冬眠に入るまでの１年間におきる出来事を描いています。 春の訪れ。フロッグとトードは、いつも仲良し。ある日フロッグが「手紙を一通ももらったことがなくて寂しい」と話すのを聞いたトード。そこでトードは自分の家で、フロッグあての手紙を書いてカタツムリさんに届けてくれるように頼んだが……。 流れる季節の中で繰り広げられる、おかしくも心温まる２匹の友情。純粋な優しさ溢れる物語の中にも、せつなさと深い味わいがある、ミュージカルです。

上演台本・訳詞：高橋亜子 演出：鈴木裕美
出演：川平慈英／石丸謙二郎／おかやまはじめ／高谷あゆみ／中山昇／宮菜穂子

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19世紀の英国を舞台に、孤独と戦いながらも強くたくましく生きたひとりの女性をドラマティックに描き、今もなお世界中の人々に読み継がれている『ジェーン・エア』。この不朽の名作がブロードウェイでミュージカル化されたのが２０００年のこと。当時、自ら脚本を執筆したという演出家、ジョン・ケアードが、このたび日本版として改めてこの作品に新たな息吹を与えることになった。脚本を練り直し、音楽も再構成、劇場に合わせ新たな演出を加える完全版ともいえる舞台となる。

ジェーンを演じるのは、今回が初のミュージカル単独主演となる松たか子。彼女と運命の恋に落ちるロチェスターにはここ数年、大作ミュージカルでの活躍が目覚ましい橋本さとしが扮する。

この待望の日本初演を迎えるにあたり、６月某日、製作発表が行われた。

「ダンスもコーラスもない、演劇的要素の強い“ミュージカル・ドラマ”です」
（Ｊ・ケアード）

　まず、演出を手掛けるジョン・ケアードは、この作品を「いわゆる普通のミュージカルとは違う素晴らしさを持つ作品。ダンスもコーラスもないので、演劇的要素の強い“ミュージカル・ドラマ”と考えてください」と説明。さらに「人類史上で一番のラブ・ストーリーでもあります。ただ、演技ができ、歌をしっかり歌える人であると同時に、自分の心の中に強い精神力を持っている女優がいないと、この作品は成立しない。でも、たか子さんの舞台を観たとき、それらを全部兼ね備えていたので「ジェーンをやる人が見つかった！」と思いました」と語り、また「ロチェスターのキャスティングも同様に、簡単なヒーローではないので難しいのですが。今日、橋本さんは素敵なスーツとネクタイ姿ですが、これは仮の姿。本当は原作者のシャーロット・ブロンテが描いたロチェスターのようなワイルドさを持つ人なんです。もしブロンテが関西弁を知っていたら、小説も関西弁で書いてくれたんじゃないかと思うくらいですよ」と、メインキャストのふたりを大絶賛。

　凛とした佇まいがいかにもジェーンにぴったりな松は「ついに来たなという感じがします。まだ稽古もこれからという段階なので、今は少しでも多くの希望と期待を持って、稽古に臨みたいです。ジョン・ケアードさんとの初めての出会いの作品であるということや、非常に限られた登場人物のなかで物語が進んでいくユニークなミュージカルであることなど、挑戦し甲斐のある作品。９月の１カ月間を集中して、この舞台に捧げたいと思っています」と、やや緊張した面持ちで語った。

　橋本も「台本を読んだときは「うわー、こんなビターで大人っぽい、ひとすじ縄ではいかない恋愛ストーリーなんだ。こういう恋をしてみたい！」と思いました。でも松さんと一緒に、演技ではありますけどそういう世界に自分が入れるというのは、改めて役者っていい仕事やなーと思います」と笑いを誘いつつも、「最近すっかりトキメキを忘れたという中年の方、もしくはこれからいろいろな恋を経験していきたい若人たち、老若男女の方々に観ていただきたいです」と力強くコメント。

　イープラスでは、この会見の直後に松と橋本の独占取材を決行！　この舞台への思いを語ってもらった。

「ラブ・ストーリーで共演できるなんて、もう、ごちそうさま！って感じです！」（橋本）

――おふたりはこれまでに『ミス・サイゴン』と『ひばり』で共演されていますが、今回は初めて恋人役での共演になりますね。　

松　この『ジェーン・エア』という、初めての挑戦要素が非常に多い舞台をやる上で、さとしさんがロチェスターであるってことは本当に心強いんですよ。歌のうまさはもちろんですけど、ハートがあること、そして何よりもジョン・ケアードさんの信頼もありますし。しかも今回は、お芝居の要素のあるミュージカルですから。いろんな課題に一緒に立ち向かっていってくださることを、すごくありがたく思っています。

橋本　僕も、めっちゃうれしいですね！（笑）　あえて今、コテコテの関西弁で言うてもうたんですけど。これが本心なので。たかちゃんとは何回か一緒の舞台に立たせていただいていますが、今回は今までになかった距離感で共演できるわけですから。ラブ・ストーリーですから。もう、ごちそうさま！って感じです。世の男性諸氏、ゴメン！（笑）。

――それぞれ、ジェーン、ロチェスターという役をどう演じようと思われていますか。

橋本　台本を読んだ上での自分のイメージで、浮かんできたのはなぜか音楽教室に貼ってあったベートーベンの肖像画でした（笑）。でも偏屈な男というか、いろいろ素直に物事を表現できない理由が彼にはあると思うんですね。でもジェーンとの出会いで救いの光が見えて、そこから彼女のことをまっすぐに見るようになる。そして、聞こえることのない声を届かせるくらいの奇跡を起こすような、そんな男ですからね。アツイものは常に気持ちの中に流していたいなと思いますね。

松　私は、観た方に最初は疑問を持ってもらってもいいと思うんです。初めてジェーンを観たとき「え？　こんな地味な人のことを、私たちずっと観ていくの？」って思っちゃってもいい（笑）。だけどジェーンの生き方を観ていくうち、最終的には「見届けて良かった」と納得していただけるようにしたいんです。そんなジェーンを演じるにあたっては、感情をいかに閉じ込め、抑えるかが大事なんじゃないかと。感情を爆発させるのは簡単だけど、そうではないキャラなのでそこが辛抱どころ。自分との戦いですね（笑）。

橋本　でも、ジェーンのそういうところってまるで“大和撫子”みたいやねえ。

松　あ、そうかもしれないですね。

橋本　すごく芯の強いところもあるし。きっと、日本人の女性はすごく共感できるんじゃないかな。

「Ｊ・ケアードさんは愛嬌があって、ズルイ距離感のある人だなと思うんですよ（笑）」（松）

――演出はジョン・ケアードさんです。松さんとは初顔合わせですが、橋本さんは『レ・ミゼラブル』『ベガーズ・オペラ』で演出を受けていますから、今回が三度目ですね。ジョン・ケア―ドさんの演出の魅力はどういうところに感じられていますか？

橋本　稽古場の雰囲気がとても柔らかいんですよ。あと、役者のどんな質問にもわかりやすく対応してくれて、言葉の壁を乗り越えてこっちの気持ちを理解してくれる。自分で気づかないところもふっと突っついてきたりするんですよね。

――実際にお会いした印象は、いかがでしたか？

松　いかにもイギリス人っていうか。すごくズルイ距離感があるような気がするんですよね（笑）。

橋本　ああ、それ、わかるな！

松　すごくチャーミングに、スーッてこちらの心に近づいて来られるんですよ。そこが、ズルイなーって感じ。日本語で言うと“愛敬”がある人だなと思います。ヘンな意味でなく包み込むような目線を持っている。上からじゃない、人をちゃんと見る目があるというか。

橋本　いや、よく見てるなあ！（笑）　まさにそうで、稽古でもニコニコしながら試練を与えてくるわけですよ。

松　へぇ〜、そうなんだ！

橋本　リラックスムードで言われるから気づかないんだけど、あとから考えるとものすごく高度なことを要求されていたり。それで「ジョン、これは僕にとって最高の試練だよ」って言うと「何を言うんだ、ビッグチャンスじゃないか！」って。

松　うわぁ、ポジティブですね〜！（笑）

――では最後に、お客様にお誘いのメッセージをいただけますか。

松　女性はすごく感情移入しやすいストーリーだと思うんですよ。男性は男性で、ロチェスターのような気分を味わいつつ、世界に入り込んでもらいたいですしね。そうそう、さっき舞台装置のスケッチを見せていただいたんですけど、非常にユニークだったんですよ。

橋本　うん、今までに見たことない感じでね。役者が、あの装置をどう使いこなすかってところも。

松　ちょっと想像がつかないけど、すごく楽しみ。

――舞台上に客席も作るそうですね。

松　ええ、そこも楽しみなんですけどね。素材からして、見たことのない世界なんですよ。

橋本　ちょっと非現実的だけど、どのシーンにも合うようになってて、あれはすごいね。外にもなり、室内にもなり。派手に舞台転換するわけではなさそうだけど、その辺の演出の仕方も上品な感じになりそう。

松　すごく工夫があるし。そういう舞台の上に気品あふれる……。

橋本　このふたりが現れるわけで（笑）。

（取材・文：吉永美和子）

※京都公演の期間中に、天野天街のアートワークを展示する「天野天街萬華鏡展」が、大阪で開催されます。詳細は展覧会ブログにて。http://amanomangekyo.seesaa.net/

――今回の、高木珠里ひとり芝居『一人オリンピック〜千の仮面をもつ女』を企画されたのは高木珠里さんご自身なんですよね。

高木珠里（以下、高木）：そうです。ひとり芝居は以前からやりたいと思ってて、ずっとタイミングを探っていました。福原充則さんとブルースカイさんに出会って、このお二人とならやれると…、背中を押された感じです。

――ひとり芝居は今回が初めてなんですね。

高木：はい。でも、子供の頃から、学校の休み時間や放課後などに「高木珠里のコーナー」というのを披露してました。空いてる教室で。

ブルースカイ（以下、ブルー）：コントをやってた？

高木：物真似とか。ツタンカーメン王とか樋口一葉とか。授業で習ったことをすぐにやってみせてたんです。

――今回、脚本・演出を担当されるお二人（福原充則さん、ブルースカイさん）との出会いについて、少し詳しく教えていただけますか。

高木：まず福原さんですが、彼の主宰するマンションマンションという劇団の第一回公演を私が見に行ったのが最初で、その時、なんて美しいんだろうって思いました。あ、いや、福原さんが、じゃなくて（笑）、作品がですよ。作品がなんて美しいんだって。それですぐに「出たい」というようなことを彼に言ったんですよね。

福原充則（以下、福原）：言いました。

高木：私は普段、自分からそういうことを働きかけるようなタイプじゃないんですけど…。

福原：その時ぼくが、マンションマンションじゃなくてピチチ（福原の主宰する別の劇団）のほうに出てくださいって言ったら、「え？　ピチチですか…？」って、ちょっと納得いかないようだったのを憶えてます（笑）。

高木：そんなこと言ってないよぉ。

福原：いや、言いました。

高木：あれ？　言ってないよぉ…。

福原：「ピチチもいいですけど、マンションマンションに出たいです」って珠里さんが言うから、その時に二本、立て続けに出演することが決まったんですよ。

――ピチチとマンションマンションには、どのような違いがあったんですか？

福原：いや、最初は特に違いはなかったんですが…（笑）。ただ、しょうがないので、ピチチはオムニバスで男メインの芝居。マンションマンションは一本の芝居で、しかも女の人が主役をとるっていうルールを後で決めました。もっとも観るほうは、完全にゴッチャになっていたと思います（笑）。

高木：とにかく、その時は、「この人の書く台詞は、わたしが言わないとダメだ」という思いがあって…。

ブルー：ぼくも、福原さんの芝居を初めて観た時、実に面白いと思って、「ぼくはこの人の書く台詞を喋らなくてはいけない、どうしても演じなければいけない」って…。

高木：ちょっと待ってよ。そういう話しじゃないでしょ。（一同笑い）

ブルー：いや、本当に。彼の芝居に出たいって思ったんです。

高木：出たいの？！　そうやって、すぐ自分のほうに持って行こうとするんだから。

ブルー：いや、だから珠里さんの気持ちはわかるってことを言いたいわけで。

高木：わかるんだ？　同じ役者として。ああ、そういうことね。（一同爆笑）

ブルー：喋りたくなる台詞を書くんですよ、福原さんは。

高木：そうですね。台詞がウソ臭くないんです。ウソなんだけど、どう考えても出鱈目なんだけど、だけどウソ臭くないんです。ちょっと矛盾したような言い方ですけど。だから、役者さんによっては、やりにくいという人がいるかもしれないけれど、私にはすごく合っている気がするんです。

――もう一方の、ブルースカイさんとの出会いは？

高木：猫ニャーを初めて観た時に、私、すごい号泣しちゃって。

ブルー：劇団猫ニャーの解散公演の時？

高木：いや、弁当になった時（劇団猫ニャーは解散後ほどなくして、演劇弁当猫ニャーという弁当屋名義で演劇活動が再開された）。猫ニャーをちゃんと生で観たのは、その時が初めてだったんですよ。感動して泣いちゃって…。自分でもどうしてかわからないんだけど、ブルースカイさんのお芝居観ると毎回泣いちゃうんですよ。うるるるるっって体を震わせて。

――あの深遠な馬鹿馬鹿しさが高木さんの琴線に触れたんでしょうか。

ブルースカイ：（神妙な表情）

高木：なに、そんな顔してるの？

ブルースカイ：いや、その頃のことを思い出して…。

高木：それで猫ニャーが団員募集をしていたから、入りたいって思ったんです。で、ちょうどその頃、ＫＥＲＡ・ＭＡＰで小村裕次郎さん（元・劇団猫ニャー代表）と一緒だったから、「私、入りたい。オーディションを受けたい」って言ったら、彼が…「入らなくていいよ」って。（一同笑い）　「でも私、ああいうのやりたいんだよ」「いや、入らなくていいと思う。だって、あそこは弁当だって作れないじゃないか」って（笑）。それで「あぁ、そっかぁ」って。

――その時、オーディション受けてたら、団員になってたかもしれませんね。

ブルー：でも、「こんな劇団でいいんですか」って言ってたかもしれません（笑）。

高木：その後、ブルーさんとは同じ事務所になって。忘年会の席でちょっと喋るようになった…って言うか、ブルーさんはあまり喋らないんです。こっちから「あれは面白かったです」と話しかけても、「あぁ、あぁ」って答えるだけで話しが一向に拡がらない。それで一年以上進展なし、１ミリも動かないっていう状況だったんですけど、『レミゼラブ・ル』（作・演出：ブルースカイ）という舞台に出演させていただいて。それがきっかけで、一緒にカラオケ行ったり、セクハラ受けたりして（笑）、ようやくちょっとは心を開いてくれたのかなという…そういう流れでしたね。

ブルー：随分前から事務所は一緒だったんですけど。ぼくは、珠里さんの出演する芝居を観る機会がなかなかなかったんです…。

高木：劇団宝船の第三回公演の時、初めて観に来てくれたんです。

ブルー：宝船…？　マンションマンションだったと思うけど。

高木：え？　三鷹に来て、「あ、どうも」って挨拶したじゃない。一緒に来ていた池谷のぶえさんに「面白かったでしょ」ってうながされてたじゃない。

ブルー：うーん…。珠里さんを最初に見て、これは凄い人だなって思ったのは、芝居じゃなくて…。

高木：え、なに？　こわい。

ブルー：KERAさんのワークショップを事務所がやったことがあって、そこにぼくも呼ばれて行ったんです。その時、珠里さんが短いネタをやってて、「凄いな、この人は」って思いました。それから珠里さんの出る芝居をチェックするようになりました。

――今回ひとり芝居をおこなうにあたって、福原充則さん、ブルースカイさんという二人の鬼才に対して、高木珠里さんからの要望事項は何ですか？

高木：お二人がやりたいようにやってくれればいいなって思います。私は歌を歌いたいくらいで、他には、特に自分の何かを見せたいっていうのは、ないんです。自分が何をやりたいか、というよりも、人が自分を使って何をやらせたいと思うかっていうほうに興味があります。

――ならば福原さんのほうは高木さんをどうしたいと思ってますか。

福原：そうですねぇ。でも、どうしたいかというより…。いままで珠里さんとは何度かやってきましたけど、自分が書いて持っていった脚本の字面が、彼女を通して立ち上がる瞬間。これがとても楽しいんですよ。ぼくの場合、書いてる段階では“これはこの方向で”みたいな作為的なものはないんです。ただ、そうやって好き勝手に自由に書いちゃうと成立しない役者さんも結構多いんですが、珠里さんは作家の気持ちを汲んだうえで足し算して返してくれる。だから彼女となら、久しぶりに何の制約もなく自分のことばかり考えて自由にやれるなぁ、と。

――相互に信頼しあってる感じがいいですね。ところで演出家のタイプとしては、福原さんは役者にまかせるタイプなんですか？

福原：わりと好きにやってもらうタイプですね。でも、馬鹿だと思われない程度に最低限の指示はしますけど。

高木：まあ、福原さんはそう言ってますけど、意外と妥協のない気がします。結構きびしいところがある。でもそこが私は好きです。やりたいことをしっかり持っている人なので、言われたとおりにやればいいのかなぁって、私は思っています。

――ブルースカイさんは高木さんをどうしたいですか？

ブルー：珠里さんの面白さの表面的な一部分なのかもしれませんが、彼女の瞬間的な変わり目、これが気持ちよくて。大泣きしたその一秒後には大笑いできるとか、なんか、そういうのはぜひやってもらいたいです。あと、『レミゼラブ・ル』というミュージカルに出てもらった時に歌がすごく良かったんで、今度も歌ってもらいたいと思ってます。

――劇団宝船で高木珠里さんを見ていると、女の情念のドロドロを演じるのがすごく上手いなと思うんですが、高木さんご自身の内面にはそういうところはあるんですか。

高木：ないです（笑）。まあ多少、情の深いところはあるかもしれませんが、宝船でやってることは、一種のエンターテインメントとして見ていただければと思います。

――人間の魂の叫びを描くのが得意な福原さんは、高木さんの“女のサガ”の部分を抉り出すことに興味はありませんか。

福原：男とか女とか関係なく、掘り下げてゆくことで人間が見えてくると思う。珠里さんも、女優というより、人間という感じですよ。

――その人間の叫びを引き出すために、演出的な方法は何かあるんですか？

福原：いや、ないんですよ。以前から一緒にやってきた役者さんだと、ぼくが何も言わなくてもできていた。でも、最近いろいろなところでやるようになると、そう簡単にできるものじゃないんだと、気付きました。むしろ、できていた役者たちはすごかったんだなって思いましたね。

高木：福原さんの芝居は、人（役者）を選ぶ感じのところがあるよね。

福原：そうです。音楽でいえば、クラシックでトランペット吹いている人、邦楽で三味線弾いてる人、パンクバンドでベースをかき鳴らす人、これらが全然違うってわかりますけど、芝居って一括りで捉えられやすいから、出自の違う人たちが一箇所に集まって、簡単だと思われるようなことが案外難しくてできない、というようなことがあるんですね。

高木：福原さんのは、どちらかといえばアングラ的なのかな。

――たしかにアングラ的で肉体志向の感じはありますね。一方、ブルースカイさんのほうはナンセンスなんで、頭脳志向というか…。そういう意味では今回バランスがよくとれてますね。

高木：ブルースカイさんは、あんまり頭脳っていう感じはしない（笑）。頭脳っていうより、感覚的。私自身、あまり考えるタイプじゃなくて、感覚的なところがあって。考えると難しくてできないんだけど、考えなくてもやりやすいのが、ブルースカイさん、そして福原さんもそう。どちらも自分の中にあるから、今回お願いしたんです。

ブルー：ぼくは、考えるタイプですけどね…。（一同笑い）

――高木さんとブルースカイさんは劇団宝船の舞台で役者として共演してますよね。

高木：或るかたが、二人は真逆だっておっしゃってました。役者としてのタイプが真逆。その二人がオープニングから絡んでいたのが感動的だったって。

ブルー：いや、たまたまあの時は真逆の自分を出してたんですよ。

高木：引き出しはもっと沢山あるって言いたいのかな？

ブルー：無難に上手い感じもできるんです。ただ宝船の時は、あえて、ちょっとヘタめな感じを出してみました。でも結局、普通にヘタな人だと思われていたみたいですけど（笑）。

高木：あと、役者としての福原さんには、私から賞をあげたことがあります。ジュリデミー賞最優秀男優賞！

福原：ゴミ・ソムリエの役（ゴキブリコンビナート『my life as a punishment-game』出演時）で、いただきました（笑）。

――そんな福原さんとブルースカイさんは、今回作り手として、お互いをライバルとして意識されてますか？

福原：いや、ぼくは完全に後輩気分です。大学生の頃から猫ニャー観てますし。だから、勝負みたいな意識は全然なくて、ブルーさんの手のひらの上で遊ばせていただこうと…。

――大人のコメントすぎるね（笑）

ブルー：ぼくも福原さんのお芝居が大好きで…。出たいとも思っていて…。

高木：だから、それはもうやめて！　（一同笑い）

ブルー：福原さんはいま注目の人ですが、ぼくのほうはもう終わった存在なので…。（一同笑い）

――高木さん的には「私をめぐって、もっと競い合って」という気持ちはないんですか？

高木：ないです、そんなの（笑）。二人とも「オレがオレが」っていうタイプじゃないことはわかってるからこそ、お願いしたんです。三人仲良くやってゆける気がしたので。

――では、そんな三人から読者のかたがたに向けてメッセージをお願いします。

福原：やりたいことを純粋にやらせてもらえる企画だと思ってますので、それがうまくできたらいいなあと思ってます。他では見られないような芝居にしますので、ぜひ観に来てください！

ブルー：ぼくは今、劇団とかやってないので、これが最後になるかもしれないっていう気持ちで臨みたいと思います。歌あり踊りあり笑いあり涙ありの面白い芝居にします…そう言うと、かえってつまらなそうにも聞こえますが、そんなことありません。絶対、絶対に面白いものになります。

高木：今回、脚本・演出として私の大好きなお二人を、人間としても大好きなお二人をお迎えして、一緒にお芝居を作れることが、とても幸せです。まあ、自分の企画なんですけど、足を引っ張らないようにして、良い舞台をお見せしたいと思います。よろしくお願いします。

（進行・構成：イープラス安藤光夫）

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　前作『幸せ最高ありがとうマジで！』で第53回岸田國士戯曲賞を受賞した、若手最注目株の劇作家・本谷有希子。彼女の受賞後第１作にあたる新作舞台が『来来来来来』だ。映像作品だけでなく舞台出演にも意欲を見せるりょうを主演に迎えるほか、女性ばかり６人の個性派キャストが顔を揃えた。現代女性の心の裏側を描かせたらピカイチの表現力を誇る本谷の、真骨頂が発揮されそう。ますます勢いづく彼女に、まだ始動したばかりのこの新作への企みを聞いた。

――今回はまた、おもしろい顔合わせになりましたね。キャスティングの狙いとしては？

　まず、そこです。おもしろそうだなと思っていただけるかどうかがカギですね。女が６人ってことは私にとって初チャレンジではあるんですが。なんだか、オソロシイですよ（笑）。

――女子６人ってことは、やはりドロドロした感じに？

　いえ、ドロドロじゃなく、どっちかというとアッパーな感じ。『SEX AND THE CITY』みたいな？　まだ今、プロットを考え中なので、最終的にどうなるかはわからないですけど。暗さよりもたくましさ、冗談とシャレにならないことの間みたいな感じかな。女の人たちはたくましく図太く生きてて、暗い状況も特に不幸と思わない。そういうエネルギッシュな雰囲気にしたいんです。よくある女の足の引っ張り合いとか、OLの給湯室みたいなのではなくて。だって１カ月そんな雰囲気の稽古場に行くなんて、私が怖くてイヤ（笑）。まあ、みんな日常的にケンカはするけど、それが「タフだなあ」って思えるくらいの女の人が描きたいんです。

――陰湿な関係ではないんですね。

　そうです。今まで私は、弱い部分を持った女の人を主人公に書いてきていましたけど。エキセントリックだけど、精神的にもろい部分もあるみたいな人。だけど今度はたくましさを書くことで、弱さみたいな、逆のことが浮かび上がらないかなと。

――物語的には、どういう話ですか？

　お麩を揚げている主婦たちの話。工場があって、お麩を生け簀みたいなところで揚げるんです。私が田舎でよく見ていた光景なんですけどね。真中に煮えたぎった油があるのが日常というのが、ちょうど書きたい世界と重なるなと思って。冗談なのか本気なのかわからない感じがおもしろいし。

――お麩工場ですか。女性たちが、おしゃべりしながらできる仕事ということですね。

　それも「仕事ツライねー」とかじゃなく「あいつどうやったら殺せるかなー」って言ってる感じ。そんな女の人たちを書きたいんです。前回の『幸せ最高〜』から引き続き、元気なものが書きたくて。とはいえ、前回に比べたらもう少し重く暗い部分もあるかな。

――じゃ、舞台はお麩工場がメインに？

　あとは、鳥園も出てきます。

――鳥園、ですか？

　木野花さん演じる女性が鳥狂いという設定で、鳥をつかまえては自作の鳥園に放してる。しょぼい鳥しかいないんですけどね。鳥を溺愛する、結構アグレッシブなババアの役です（笑）。その家の長男の嫁が松永玲子さん。そしてりょうさんが次男の嫁。次男は新婚１カ月なのにある日「鳥をとってくる」と言っていなくなるんですが、その嫁は行くあてがないから鳥園の世話をし、お麩を揚げながらだんなさんを待ってる。ほかの女性たちもみんなそれぞれ、恋に苦しんだりしていて。なんだかメチャクチャやん！って感じですね。どうやってまとめるんだろう、私（笑）。

――前回公演で岸田國士戯曲賞を受賞されました。ご感想としてはいかがでしたか。

いい具合でホッとして、今後の公演に対して力が抜けそうな気がします。あとはもう、作品を生み出して、それが痛い目にあったり、うまくいったりってことを繰り返していくだけ。好きにやれるなーって感じです。もちろん役者さんに対してはホッとはできないですけどね。「私に何書いてくれるの？」みたいなのはビンビン感じるので。特にりょうさんとかスゴイですよ。「私の知らない私を見せて」って。「ええ？　りょうさんが知らないりょうさんをなんで私が知ってるの？」って（笑）。

――りょうさんには今回、どういうお芝居をしてもらいたいですか。

　ただひとり異物としてそこになじまないものとして入ってくる役なので。みんなとは違って、まだたくましさがなくて、どちらかというと弱さというか、ほろ苦さみたいな。つまり、いろんなことを乗り越えていったらこんな女たちになるんだろうな、という。なくなっていくものを惜しむ気持ちというか。

――刹那的な美しさを？

　そうそう。でもやっぱり強い女性ですよ。いなくなっただんなが帰ってくるってことを疑わずに信じていられて。ヘタしたら一番強いのかも。今まで書いてきたヒロインの中では受身なほうですね。わりと攻撃的なヒロインが多かったんで、今回は受け止めるほうの人を書いてみたかったんです。

――そういう意味では、前回の『幸せ最高〜』の永作博美さんは攻撃的でしたね。

　その真逆かもしれないですね。でもどっちが強いかというと、ああいうイケイケな女は強くは見えても案外もろくて。それと逆に、一見すごく弱そうでも実はすごく芯がある女性みたいな。

――演じるの、難しそうですねえ！　だけど、楽しそうな稽古場になりそうじゃないですか。

　どっちに転ぶかですよ。楽しそうな稽古場になるか、男がいないからカラッカラになっていくか（笑）。マイナスイオンとか、ちゃんと与えていかないとね。

――あと、タイトルも気になったんですが。これはどういう意味ですか？

　なんだかもう、タイトルがカッコイイとかカッコ悪いとかってレベルすらも超越した言葉を生み出せないかなと思ったんです（笑）。「なに、よくわかんない」って思われたい。いいか悪いか以前の境地に行きたくて。いつも、芝居のタイトルはそのときの時代の感じや、自分の価値観を象徴的にする言葉にしたくて。それが、そのあとに作った芝居と、全然気にしてなかったのに意外に意味がかぶってくるのが一番いいと思っているんです。だから、意味があると思ってくれればあるし、ないと思ってくれればない。そこに行ければ最強だなと。

――お客さんには、どんなことを感じてもらいたいですか？

　ミュージカル『アイーダ』は、『ライオンキング』を手がけたエルトン・ジョン＆ティム・ライスというトップクリエイターが手がけた作品。ディズニーと劇団四季のコラボレーションによって『美女と野獣』『ライオンキング』に続いて発表され、日本では2003年の初演。全国各地での公演に力を入れて来た劇団四季が、日本演劇史上初となる関西発信のロングランミュージカルとして大阪でその幕を開き、その後京都、福岡、名古屋で公演を行ってきた。そして今回、満を持しての東京公演の実現。自信を持って作り上げて来た作品の“凱旋”とあって、出席者も皆晴れやかな表情だ。

　タイトルロールを演じる濱田は「大阪初演からの６年の間にスタッフ、キャスト一同、ひと周りもふた周りも大きくなりました。みんなで考え、創り上げて来た『アイーダ』。前回公演よりもより繊細に、よりダイナミックに、スピリチュアルな世界をお届けします」と力強くコメント。また、「久しぶりのアイーダの扮装でしたが、メイクをするうちに自分の中にしまっていたアイーダの人格が出てきました。この想いを丁寧に洗い直して、最善を尽くした舞台にしたい」とも。
　 阿久津は「愛情や憎しみを描く『アイーダ』は、お客様自身の人生とも重ね合わせられる物語です。ラダメスは強さと弱さを併せ持ったキャラ。この作品でラダメスとして初めての東京公演。東京出身者としてもとても楽しみです」と、終始笑顔で語った。同時に「劇団の中に若い力が確実に育って来ている。後進の指導にあたり、作品を脇から固めて更に育てて行くのも自分の役割と感じています」と、カンパニーの一員としての責任を新たにしていた。
　 「『アイーダ』はアイーダとラダメスの恋物語であると同時に、アムリネスの成長物語でもあります。試練を乗り越え、4000年の時を超えて魂が浄化されて行くアムリネスの姿を観て欲しい」という五東。同じく久しぶりとなった衣裳姿には「ちゃんとアムリネスになれてるでしょうか？」と照れた様子も見せながら「舞台では王妃アムリネスの華やかな姿、おしゃれな衣裳の数々も楽しんでもらいたいです」と、見どころを教えてくれた。

　古代エジプトを舞台に、哀しい運命に引き裂かれて行く恋人たちを描いた『アイーダ』。オペラ作品としても有名だが、このディズニー／四季版ミュージカルはオペラとはまた一味違った新しい切り口でクリエイトされたミュージカル。「やはりエルトン・ジョンの曲はなかなかのもの。娯楽性を大切にするディズニー作品の中にあって、『アイーダ』は娯楽性とともに特に芸術性が高いのが特長。現代劇を観る感覚で楽しめる、現代人の心を打つ作品ではないでしょうか。全回公演を経て、やっと東京でもご覧頂けます。さらにレベルの高いところでの作品がお届けしますよ」と、浅利氏もその手応えを力強く語った。

　会場内のスクリーンにオリジナルスタッフであるエルトン・ジョン、トーマス・シューマーカー、ティム・ライスのコメントが流れたあとは、プチサプライズ。出演者３名が生歌を披露してくれた。まずは『アイーダ』を代表するデュエットナンバー「星のさだめ」。パープルのドレスをまとったアイーダと、深紅のスーツのラダメスが２人の恋の熱さを切々と歌い上げる。続く「どうしたらいい」は、えび茶のドレスのアムリネスも加わり、三者三様、それぞれの苦しい恋心を綴ったナンバー。生きる強さを滲ませるアイーダ、凛々しさをたたえるラダメス、気品ある立ち姿が凛としたアムリネスの歌声は、エルトン・ジョンが持つポップなテイストと相まって、想いを突きつけることなく、吹き抜ける風のような爽やかを感じさせる聴き心地のよい三重唱となって、会場内を静かな感動で包み込んで行った。

　かねてより上演リクエストが多かったという本作。いよいよ実現した東京公演、その幕開けが待ち遠しい。

〈取材・文:横澤由香〉

公開されたのは、全二幕の通し稽古。すべてのシーンが本邦初披露とあって、会場につめかけた大勢の報道関係者はどのシーンも見逃すまいと必死の様子。シャッター音が響く中での演技となりました。衣装こそ稽古用のものでしたが、いくつかの椅子と小さなテーブルといった最小限の小道具を色々なものに見立てながら、虐待、落第、思いがけない妊娠、そして思春期の身体の変化に戸惑う少年・少女と、そんな子どもたちを力で制することしかできない大人たちとのぶつかり合い、そこから起きる悲劇が、本番さながらの迫力で演じられました。

3/10の制作発表時には明言を避けていた性行為や同性愛などのシーンも、ほぼオリジナル上演通りに演じられていました。100年前の物語に現代の音楽と独特の振り付けを組み合わせてブロードウェイでも若者を中心に熱狂的な支持を得た作品が、劇団四季版でもその形をほとんど変えることなく上演されるとみてよさそうです。舞台に見立てたスペースをたっぷり使いながらの歌とダンスも非常に見ごたえがありました。

なお、この日のキャストは以下の通りでした。

女性キャスト

　ベンドラ　　　林　香純

　マルタ　　　　勝間　千明

　イルゼ　　　　金平　真弥

　アンナ　　　　宇垣　あかね

　テーア　　　　有村　弥希子

　大人の女性　　中野　今日子

男性キャスト

　メルヒオール　柿澤　勇人

　モリッツ　　　三雲　肇

　オットー　　　加藤　迪

　ハンシェン　　南　晶人

　エルンスト　　竹内　一樹

　ゲオルグ　　　白瀬　英典

　大人の男性　　志村　要

あくまでこの日の公開稽古のキャストとのことです（つまり、本番で変動する可能性は大いにあります）。少年たちは3/10の制作発表の時と同じでしたが、少女たちはアンナとテーアが前回とは別のキャスト、また大人の男性と女性はこの日が世間的には初登場となりました。メルヒオール役の柿澤さんは高めの音域も歌いこなし、堂々とした演技には主役のオーラが感じられました。モリッツ役の三雲さんは、ロックミュージシャン風の歌い方が板についてきた感じです。コミカルな演技もなかなかでした。本番に向けてさらなるパワーアップが期待できそうです。ベンドラ役の林さんは目を輝かせながら純粋で一途な少女を演じ、好感が持てました。大人の男性と女性は帽子をかぶったり、声のトーンや姿勢を変えながら、子どもたちの親や先生、牧師、医師などを演じますが、その変貌ぶりもみどころのひとつです。

日本語歌詞については、原詩に忠実に訳すというよりは、曲のイメージを日本語でわかりやすく伝えることを重視しているようです。そのために、詩的で抽象的な原詩からやや離れていると感じられた部分もありましたが、直訳でなくてもこれはいい訳だなと思うところもあり、言葉の抑揚とメロディラインが合っているので、聞き取りやすかったです。制作発表後に手を加えたあともみられ、最終的な歌詞がどうなるか興味深いところです。芝居の部分の訳についても、もともとややくどい部分をはしょったりするなどはあったものの、大方原文どおりだったと思います。

性描写が多い衝撃作という評価ばかりが一人歩きしている本作ですが、そのシーンに至るまでの少年少女たちの心とからだの変化が丁寧に描写されているので、劇団四季版ではじめて本作を観るという方にも、それぞれのシーンの必然性が伝わると思います。ブロードウェイ版を数回観ている筆者は、性行為などのシーンよりも、初めて日本語で聞く、親から虐待されている少女たちの歌の内容の方により衝撃を受けました。日本語で観ることで認識を新たにした部分もあり、ブロードウェイで観て細かいところがよくわからなかったという方にもお勧めしたいと思います。

公開稽古の後、振付補として来日していたジョアン・Ｍ・ハンターさん記者会見がありました。はじめにジョアンさんから、「今回は２回目の通し稽古で素晴らしい出来映えであったと思う。経験の少ない役者が稽古を積んでいくプロセスには難しさもあったが、それぞれが自分の人生経験をこの作品に生かして欲しい」というようなお話しがありました。引き続いての質疑応答では、大きな声で笑ったり身振り手振りを交えながら、記者の質問に答えてくださいました。

アメリカのキャストと日本のキャストのちがいについては、「アメリカ、イギリス、オーストリアのキャストと比べ、日本のキャストはみんなダンスの素養があるところがまず気がついた違いで、それはすばらしいが、本作は決められたタイミングで決められたステップを踏むことではなく、内側から沸き起こるいらだちや怒りをぶつけることが大切なので、いったん身につけたダンスをはぎ取ることが課題になっている」とのことでした。また、従順で、稽古熱心なこと、失敗したがらない傾向も特徴であり、間違ってもいいから思いきって大胆に演技をするよう伝えているそうです。日本の悩める若者に対してはどうしたらいいかという質問には、「自分も性のことについては親に相談できなかったが、本作を親子で観ること対話のきっかけが生まれるのではないか。オープンな対話が大切。」と答えていました。

現時点での出来映えは何点か聞かれると戸惑いながらも「１０段階評価で６点か７点。いい状態だと思う」と評価する一方、今後の課題については「同じことを何度も言われないようにすること、演技は相手役があってのことということを忘れないように、常に新しい白紙のページをめくるような気持ちで臨むように、と、このあとキャストに伝えようと思っている」と指導者としての顔をのぞかせました。最後に作品の魅力について「音楽がロック・ミュージックであることから若い人たちに受け入れられ、そのことで舞台芸術に触れるきっかけにもなると思う。そして、誰もが経験する性の目覚めを描いた作品に共感することによって若者が成長していくことができるはず」と述べた後で「しかも娯楽性もありますよ」と本作の本当の魅力について付け加えていました。

思春期の若者たちにまつわる様々なテーマを含んだ作品ですが、重い内容に反比例するようにはじけるロック・ミュージックにのって繰り広げられるエキサイティングなステージは、一度体験したら病みつきになるかも？　いよいよ日本で初公開となる本作を、どうぞお見逃しなく！

（取材・文　himika）

　作・鈴木聡、演出・ラサール石井、主演・上川隆也という豪華な布陣で贈る、舞台『その男』の幕がついに開かれた。04年に上演された『燃えよ剣』でもタッグを組んでいる３人。彼らが再び集結し、今回は池波正太郎の人気時代小説を初めて舞台化する。

　物語は、主人公・虎之助の叔父・金五郎の一人語りから始まる。旗本の嫡男として生まれながらも、病弱で、跡取りとしての地位も危うい虎之助。金五郎を心のよりどころにしていたが、13歳の若さで大川へと身を投げてしまう。それから６年、金五郎が浪人に絡まれていたところに、一人の男が助けに入る。彼こそが、一人前の男として成長した虎之助。池本茂兵衛という人物に助けられ、立派な剣士として生き抜いていたのだ。そして時は江戸末期。時代の激しい波は、虎之助の人生にも大きな影響を与えていく。

　全３部から成る舞台は、幕末から始まり、昭和初期までと続く虎之助の一代記。安政の大獄に大政奉還、西南戦争に二・二六事件と、激動の日本を背景に描かれていく。その中で虎之助が徹するのは、“生きる”ということ。もちろん剣士である彼には、時代に殉じてこそ男という想いがある。しかし“生きる”ことは、父として慕う茂兵衛の教え。自分の在り方に葛藤しつつも、虎之助は誠実に生きていこうとする。そこに重なって見えるのは、演じる上川の役者としての実直さ。時に勇ましく、時に怒りに身を震わせながらも、芯にあるのは、男としての心の広さと優しさ。上川がこの虎之助に体当たりで挑み、血の通った男として舞台に存在していることが、作品に大きな柱を与えている。

　また本作にさらなる深みを与えているのが、茂兵衛を演じた平幹二朗。ベテラン俳優としての安定感と、圧倒的な存在感。彼がいることで舞台がより締まり、また彼が幾度となく虎之助に語りかける「生きろ」という言葉が、観客の心にも響いてくる。そして茂兵衛と同じく、時代の中で命を落としていった者がいる。それが虎之助の親友である中村半次郎と伊庭八郎。半次郎演じる池田成志は、薩摩弁を巧みに操り、緊張した舞台空間にひと時の笑いを生む。そのことが、後の運命をより悲しいものにしていくのだが。伊庭八郎を演じたのは、近年成長著しい波岡一喜。いいライバル関係にありつつも、虎之助とは真逆の生き方を選んだ八郎。クセのある役を演じることが多い波岡だが、本作では颯爽とした若き剣士役を好演している。

　作品に華を添えているのが、内山理名とキムラ緑子の２人の女優。礼子役の内山は、薩摩の剣士とも対等な立ち回りをこなす隠密の一面と、虎之助を慕うけなげな一面。その二面性を切なく演じ分け、二度目の舞台とは思えない堂々とした姿を見せた。妖艶な女の色気を醸し出していたのは、「劇団M.O.P.」の看板女優でもあるキムラ。演じる秀は気風のいい女性だが、その裏には虎之助と半次郎に対する複雑な想いもある。そんな女心の悩ましさは、やはりこの人に演じさせたら右に出る者はいない。ほかにも金五郎を演じた六平直政や、陰山泰、鈴木率いる「ラッパ屋」の福本伸一や木村靖司、弘中麻紀などが参加。演劇界の巧者たちが、しっかりと脇を固めた。

　本作の大きな魅力として、音楽というのも忘れてはならない。津軽三味線界のトップランナー、上妻宏光が劇中曲を手がけているのだ。時代感を表す壮大な音楽。特に印象的なのは、真剣勝負の場面に響く三味線の音色。その単純ながらも力強い音色が、殺陣の緊張感と迫力を増大させたことは間違いないだろう。

　ただ“生きる”ことに自らの価値を見出した虎之助。こんなご時世だからこそ、彼の生き方に共感する人も多いはず。そんな虎之助の姿は、現代の我々の目から見ても、たまらなくカッコいい。

(取材・文：野上瑠美子)

□東京公演　第一日【夜の部】　4月18日（土）　18時00分開演
＜大曲<釣狐>でみる狂言の真髄＞
狂言方の卒業論文とも言われる大曲<釣狐>を、若手の中でも型の美しさに定評のある茂が演じます。表現力、体力、精神力すべてにおいて高いレベルが必要とされる演目。東京で茂山家の<釣狐>が見られる機会はあまりありません。この機会をお見逃しなく。その他にベテラン七五三、あきらによる<文荷>、若手が賑やかに演じる<六地蔵>をお届けします。

□東京公演　第二日【昼の部】　4月19日（日）　14時00分開演
＜人間国宝・千作の<無布施経>＞
　この日の見どころは人間国宝・茂山千作の登場です。狂言の笑いのエッセンスたっぷりの名曲<無布施経>を、現当主・千五郎と演じます。見る者を幸せにしてくれる天衣無縫の千作の芸をお楽しみ下さい。また、<呼声>は若手がパワフルに上演いたします。色々な節回しが登場する賑やかで楽しい演目です。<花盗人>は春らしく桜の立木が舞台に登場し、その桜をめぐってストーリーが展開されます。盗人の運命やいかに・・・！

■　大阪公演　■　（大槻能楽堂）
公演日：09/5/3(日)〜09/5/4(月・祝)

□大阪公演　第一日【昼の部】　5月3日（日）　14時00分開演
＜大曲<狸腹鼓>上演！＞
　東京での<釣狐>上演に対し、大阪公演の目玉は千三郎による<狸腹鼓>です。<釣狐>同様、極重習に分類される大曲であり、<釣狐>以上に上演機会の少ない演目です。前半の緊張感と、後半狸の着ぐるみで腹鼓を打つユーモラスな場面のギャップをお楽しみ下さい。また、<土筆>は千之丞・あきらの親子による上演。作品に和歌が折り込まれ、土筆＝つくしが登場する春らしい演目です。

□大阪公演　第一日【夜の部】　5月3日（日）　18時30分開演
＜<寝音曲>でみる千作の至芸＞
　<筑紫奥>は、現在では考えられないことですが、無事に納税できることがめでたいと考えられた中世の物語です。お正月らしいこの演目を茂・童司が清々しく演じます。<子盗人>では、盗みに入ったはずの家で、赤ん坊をあやすのに夢中になってしまう気のいい盗人を演じる千之丞にご注目下さい。最後に2009年に90歳を迎える人間国宝・千作の<寝音曲>。朗々と響く声は、歳を重ねても衰えることなく、観客を魅了し続けます。

□大阪公演　第二日【昼の部】　5月4日（月・祝）　14時00分開演
＜ゴールデンウィーク特別企画＞
最終日は、狂言についてのお話に加え、お客様にも体験していただくワークショップをたっぷりとお楽しみいただき、「附子」や「蝸牛」といったお馴染みの人気曲をご覧いただきます。お一人様はもちろん、お子さんやお孫さんとご一緒に、あるいは狂言初心者のパートナーとペアでお楽しみ下さい。

■春狂言

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＊出演者は、やむを得ず変更となる場合がございます。予めご了承ください。